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6 de julio de 2026

La Compagnie du Hanneton


James Thiérrée es el nieto de Charlie Chaplin. James pisó por primera vez el escenario con apenas cuatro años de edad en el espectáculo de sus padres (Victoria Chaplin y Jean-Baptiste Thiérrée) en Le Cirque Imaginaire (más tarde conocido como Le Cirque Invisible). Aparecía dentro de una pequeña jaula o con los pies asomados debajo de una maleta. “Mis padres me utilizaban como utilería” ha dicho él mismo. Era uno de los numerosos fallos del excéntrico mago James: en vez de un pato, aparecía él. A los quince años interpreta a Ariel en el Próspero de Peter Greenaway. Antes de cumplir los veinte años, James había viajado por todo el mundo y se había convertido en un experto en acrobacia, danza, trapecio y violín. Trabaja en el Piccolo Theater en Milán, bajo la tutela de Isabelle Sadoyan-Bouise y más tarde estudia en la Universidad de Harvard. A mediados de la década de los noventa, James comienza dirigir sus propios espectáculos y funda una compañía de circo-teatro, la Compagnie du Hanneton. En 1998, la compañía montó su primer espectáculo La Symphonie du Hanneton, una surrealista y maníaca fusión de acrobacia, contorsionismo, malabarismo y personajes fantásticos, “un cúmulo de imágenes y deseos que uno no puede seguir encerrando en el desván”.

Aunque tarde, seis años más tarde, al final tiene su reconocimiento definitivo en 2006 con la consecución de cuatro premios Moliere: puesta en escena, revelación, mejor espectáculo en un teatro público y mejor vestuario. El trabajo posterior de James es tan intenso e imaginativo como este primer espectáculo y cada nuevo estreno es esperado como uno de los acontecimientos teatrales del año.
Aquí hemos intentado hacer una breve recopilación de su trabajo circense-teatral. Esperemos que os guste.

Symphonie du Hanneton (1998)



La Veillée des Abysses (2003)



Au Revoir Parapluie (2007)


Y aquí puedes ver otra pieza de esta maravillosa obra
Raoul (2009)

19 de junio de 2026

Enguibarov quiere ser payaso


Tchanaparh depi krkes (Road to the stage, 1963), Henrik Malyan

ESTA ES es la primera de las películas que protagonizó Leonid Enguibarov, uno de los payasos más amados y aplaudidos por el pueblo en la época soviética, que murió con tan solo 38 años y cuya leyenda ha ido ganando sabor con el tiempo. En la Europa occidental no se ha conocido bien su trabajo hasta la divulgación del espléndido documental Historia del Mimo (1987), una serie de cuatro películas dedicadas al arte de la Pantomima y en la que Enguibarov (1935-1972) cubre una parte importante del capítulo de payasos. Por motivos que apuntan a su afición a la bebida o a motivos políticos, este artista nacido en Armenia nunca viajó a Europa en las giras internacionales del circo soviético. Competía con otros grandes payasos como Nikulin, Martchewsky (recientemente homenajeado en el circo que él mismo dirige en Ekaterina), Karandash, Popov, que tuvieron mejor suerte o tenían mejor beber. Decían de él que tenía otoño en su corazón, por su mirada melancólica y su ensimismamiento creativo, y al ver su trabajo, tanto en la pista como en sus películas, lo vemos con claridad. Esta película, realizada para su especial lucimiento, nos muestra al joven payaso dominando diferentes técnicas en una historia que transcurre, casi en su totalidad, en el circo, por lo que tenemos la suerte de ver algunos números excepcionales, además del brillante y polifacético trabajo del artista protagonista: malabarista, mimo, equilibrista, payaso, acróbata, amaestrador, encantador de audiencias. "The lyrical character whom Enguibarov portrays arouses in his audience a kindly, radiant feeling, and the inimitable charm of the clown makes one remember him for a long tome with admiration and gratitude". ¿Se puede decir algo más bonito de un artista? Pese a la oposición de su familia, un joven decide ser artista de circo. Su estreno como payaso, con un maquillaje excesivo y cascadas sin sentido, provoca un silencio que se convierte, poco a poco, en una escandalosa protesta. 

Justo hacia la mitad de la película nos encontramos con una escena familiar: el payaso, maquillado, disfrazado y fracasado, es rechazado también por la chica quedando sumido en la más absoluta tristeza. ¿Os suena de algo? La chica de la que se enamora Leonid es Irina Shestua, auténtica artista de circo que se dobla a si misma en un espectacular número de doble barra rusa. Después del fracaso, el payaso emprende un viaje iniciático donde se encuentra al espíritu de Durov, al de Charlot y al de Marcel Marceau, que le indican el camino de su nuevo personaje. Así cualquiera, dirán muchos. ¡Ya me gustaría a mi tener esas alucinaciones!, digo yo. Enguibarov se queda dormido en una plaza y en el sueño obtiene los datos que le faltan para completar el personaje: enamorado, torpe pero ingenioso, melancólico, habilidoso, soñador y perdedor…


La E de la Enciclopedia rusa de Circo le dedica el dibujo de la capitular a su famoso número del violín: "One of the best mimic scenes staged by Leonid Engibarov is The Violinist. A fiddle has come by accident into the hands of a mischievous person. He has only seen others play the violin and so he presumtuosly attemts to imitate the playing of musicians. Although Engibarov fails in his combat with the violin, he wins another victory with his audience". Al final de esta maravillosa película podemos verlo. Entretanto, acomodémonos, para deleitarnos con el impresionante hipopótamo del amaestrador de animales exóticos Stepan Isaakyan (uno de los animales más difíciles de amaestrar a causa de sus malos modales), o su serpiente pitón; la vertiginosa bajada en equilibrio sobre la cabeza en un raíl deslizando sobre un cable inclinado (el mismo acto que utiliza Lon Chaney para suicidarse en la película de 1928, Laugh Clown Laugh); el vuelo de la trapecista y el majestuoso águila; los números de banquina, olímpicos, un equilibrio sobre escalera en percha que, con su puesta en pista del año 1963, se anticipaba muchos años al llamado nuevo circo; y el excelente y trepidante número de malabarismo. Una verdadera lección de auténtico circo



Tchanaparh depi krkes
(Road to the stage, 1963)
 
Producción: Armenfilm Studios (URSS) 
Director: Henrik Malyan y Levon Isahakyan 
Guión: A. Galiev y Aleksandr Yurovsky 
Intérpretes: Leonid Yengibarov (Leonid), I. Shestua (Ira), I. Danzas (la madre), H. Danzas (el padre), Varduhi Varderesyan (Maro), Karp Khachvankyan (Ashot), Vladimir Tatosov (Khachyan), Gen (Taryan), S. Isahakyan (entrenador), B. Asaturyan (un gemelo), R. Asaturyan (el otro) 
88 min. Blanco y negro

12 de junio de 2026

Anatoly Martchewski

Клоун (Kloun 1980), Natalya Medyuk

CUANDO descubrí a este payaso en una grabación del XVIII Festival de Circo de Montecarlo (1994) me dije: "Mira, un payaso hippy". Las flores de su camiseta y su manera de enfrentarse a la pista me llamaron la atención, Más adelante en su número, viendo su destreza con el rulo y el monociclo, me quedé maravillado y comencé a descubrir que el clown contemporáneo pasaba por la URSS.

 

Karandash, Popov, Nikulin y Shuidin, Enguivarov, Musin, Nikolayev, Vyatkin, Makovsky, nombres difíciles de localizar y que iban apareciendo en documentales extraños, de exaltación del arte circense soviético, como el que me regaló El Niño Costrini: Payasos y Niños, un documental, sin títulos de crédito, únicamente con ese título en castellano, distribuido en Argentina, que me es imposible localizar en ninguna base de datos y que es un baúl de payasos soviéticos "desconocidos".

"…There is a real danger that clowning in the West may become fossilized in a highly stylized and no longer funny tradition of character and costume. Artistes like Oleg Popov and Anatoli Martchevski have given an indication of these ideas …" (George Speight, The Book of Clowns, 1980).

La Escuela Estatal de Circo y Variedades de Moscú se llama M. N. Rumyantsev, en honor a Karandash. Los payasos eran premiados con medallas al Mérito y considerados héroes populares, al mismo nivel que los grandes actores o bailarines. Martchewski es uno de ellos. Sus actuaciones durante las giras por Europa occidental y Estados Unidos dejaron huella en el público. Monica J. Reveney, en su espléndida publicación Le Grand Livre du Cirque (1977) escribe:"Chez lui, aucun maquillage et rien d´un clown traditionnel: c´est un gandin aux cheveux longs, â la démarche dansante, vêtu d´un pantalon à franges et d´un Tshirt fleuri. Facétieux et frondeur, il sème au cirque une panique permanent (…) Martchewski prouve avec talent qu´un clown peut être charmant, élègan et…très drôle!"
Su prestigio se ha mantenido hasta hoy en día que dirige con inteligencia el circo estable de Ekaterinburgo, una ciudad fría de Rusia en mitad de los Urales que, recientemente (del 5 al 8 de abril de 2008), ha organizado el First International Festival of Clowns, coincidiendo con el aniversario del comienzo de la carrera artística de su director. En el Festival estuvieron Monti, Pipo y Tito compartiendo arena con Shiner, Larible, los Hermanos Tanquin y un montón de payasos de la Federación Rusa que me es imposible traducir, entre los que se encontraba el hijo de Anatoli Martchewski, al que podéis ver en la foto del calendario que incluyo, un ejemplo del marketing ruso circense.

La película que nos ha acercado a Martchewski a estas páginas es Kloun (1980), una serie de televisión de dos capítulos de una hora, que he descubierto gracias al incombustible baks. En ella, un conocido payaso, de gira durante demasiado tiempo, se reencuentra con el circo estable de Moscú, con sus amigos, amores y compañeros. Las cosas han cambiado mucho, pero el payaso lo tiene claro: su objetivo sigue siendo el mismo: hacer reír.




Клоун (Kloun, 1980)
Producción: Odessa Film Studios (URSS)
Dirección: Natalya Medyuk
Guión: Denis Dragunsky y Viktor Dragunsky
Intérpretes: Anatoli Marchevsky, Natalya Varley, Natalya Trubnikova, Vladimir Naumtsev, Valentin Nikulin, Yuri Kamornyj, Rimma Bykova, A. Golitsyn y Yelena Kamburova.
150 min. Color

27 de enero de 2026

"Fatty" Arbukle


Backstage (1919), Roscoe Arbuckle

¿Cómo se bajan unas escaleras inexistentes? ¿Cómo te deshaces de un niño molesto mientras pegas un cartel en la pared? ¿Cómo se toca la armónica bajo una nieve de confetis? ¿Cómo vencer a un hombre forzudo malhumorado? Las respuestas son algunas de las imágenes cargadas de poesía de Backstage (1919), un corto dirigido por el gordo Roscoe Arbuckle, alias Fatty, actor cómico de la primera época del cine, ágil acróbata a pesar de su voluminoso tamaño, uno de los policías de la loca Keystone de Mack Sennett. Fatty Arbukle pasó de la gloria (se dice que cobraba un millón de dólares al año) al desprecio del público y la prohibición de sus películas a causa de la muerte violenta de una chica en una fiesta llena de excesos Fue uno de los primeros juicios mediáticos de la historia a causa de la habilidad sin escrúpulos del magnate de los medios W.H. Hearst. A pesar de que, después de siete meses de juicios y primeras planas, fue declarado no culpable, Fatty Arbuckle fue censurado en Estados Unidos e Inglaterra y su carrera fue a pique. Murió a los 46 años, un día después de declarar "Hoy ha sido el día mas feliz de mi vida". Acababa de firmar un contrato con la Warner. Nosotros queremos reivindicar su figura por muchas razones. Era un payaso excepcional, con un sentido del tempo brillante. Era excepcionalmente ágil y nunca quería sacar partido de su gordura (no le hacía falta, pues la imagen era suficientemenete poderosa). Fue uno de los primeros cómicos en dirigir y producir sus propias películas, teniendo el absoluto control en la creación cinematográfica e inventando un oficio que crecía día a día. Le dió el primer papel de su carrera a Buster Keaton, el genial Pamplinas y le prestó los pantalones a Charles Chaplin para una audición. Por dar también trabajo a su perro Luke y a su sobrino Al St. John. Y se le atribuye la creación del pastelazo en la cara. Solo por esto último se merecería un blog exclusivo.

En Backstage, Buster y Fatty llevan un pequeño Teatro de Vaudeville. Ante la huelga de los artistas del programa, tienen que hacerse cargo de la representación, interpretando todos los papeles, mientras los artistas en huelga intentan boicotearles. Esta sencilla trama lleva a la pareja a crear numerosos gags, algunos de los cuales son verdaderas obras de arte. Además, la exhibición de slapstick es impresionante. Caídas, trompazos, bofetadas, Buster Keaton vestido de mujer realizando mortales árabes (creo que se llaman así) y danzando o Fatty enredado en sus propios pies intentando imitar a un bailarín excéntrico que resulta ser Jack Coogan Sr., ¡el padre de nuestro niño prodigio favorito y el tío Fester de la familia de Addams!. 


Backstage (1919)
Paramount Pictures (USA)
Productor: Joseph M. Schenck
Director: Roscoe Arbuckle
Guion: Jean Havez
Fotografía: Elgin Lessley
Intérpretes: Roscoe Arbuckle, Buster Keaton, Al St. John
26 min. Blanco y negro

13 de noviembre de 2025

Cepillín, el payaso dentista

Milagro en el circo (Alejandro Galindo, 1979)

Ricardo González Gutiérrez, Cepillín, nace el 7 de febrero de 1946 en Monterrey, Nuevo León. Conocido también como El payasito de la tele, además de payaso y dentista fue presentador de televisión y cantante mexicano. Mientras realizaba sus estudios de Odontología comenzó a participar en programas de concienciación de higiene dental donde descubrió que pintándose la cara de payaso los niños no tenían miedo cuando les exploraba la boca.


Esos programas fueron pronto producidas para la televisión local alcanzando un éxito inesperado durante varios años. Cepillín decide probar fortuna en Ciudad de México y es contratado por Televisa para realizar un programa diario. Un programa educativo, cómico, con artistas invitados. Cepillín se convierte en una celebridad y sus canciones en éxitos populares que le otorgarían a su autor hasta 11 discos de oro. Desde el año 1982, trabaja en una compañía de circo montada por él mismo, por toda la República Mexicana y los Estados Unidos, hasta el año 2005.


En 1979 realiza su primera película, la que hoy nos ocupa, Milagro en el circo, una cinta de Alejandro Galindo que cuenta con la inesperada participación de Fernando Fernán Gómez y Antonio Ferrandis. También se trata de la primera película de la famosa cantante y actriz mexicana Yuri Valenzuela que interpreta la canción de Rossana Rosas "Las cosas bonitas del amor".



Las instalaciones y el personal y animales del Circo Atayde sirven de escenario para una conmovedora historia de un niño huérfano que vive del hurto y que se esconde en el circo donde le acogen sin demasiadas preguntas. Ahí comenzará una nueva vida.

Mientras que Antonio Ferrandis hace el papel de Jefe de pista y dueño del circo, Fernando Fernán Gómez interpreta a Macario, un villano galáctico que, acompañado de un maléfico enano, quiere destruir el circo porque no soporta ni las risas ni la alegría de los niños.


Para salvar al circo de los actos de sabotaje que acomete Macario, aparece el payaso Cepillín montado en un velocípedo llevando un colorido paraguas. Además de salvar el circo, Cepillín rescata al pequeño delincuente de su tendencia a la cleptomanía.


Fernando Fernán-Gómez ni siquiera la menciona en sus memorias. La participación española en la coproducción fue asumida por una productora de corta vida denominada Labarone Films. Magro beneficio el de esta empresa porque el control de taquilla del Ministerio de Cultura sólo contabilizó 179 entradas vendidas en España, muy lejos de la producción exclusivamente argentina Había una vez un circo (Enrique Carreras, 1972), protagonizada por la familia Aragón. Estrenada en España en las Navidades de 1973-74, previo desembarco de "los payasos de la tele" en TVE en el verano de aquel mismo año, hizo pasar por taquilla a casi dos millones de espectadores.

Los descendientes de Cepillín tiene un canal en Youtube donde homenajean al famoso payaso y cantante con numerosos videos [https://www.youtube.com/@cepillintvcepi/] y donde hemos encontrado la película que proyectamos hoy. Que ustedes disfruten de esta colorida sorpresa.


Milagro en el circo
(1979)
Productoras: Grupo Mexicano Labarone P.C., Lamarque S.A. y Televicine (México)
Dirigido por Alejandro Galindo
Productor: Fabián Arnaud
Guion: Fernando Galiana
Fotografía: Fernando Colin
Música: Álvaro Nieto
Intérpretes: Ricardo González "Cepillín", Fernando Fernan Gómez (Macario), Antonio Ferrandis (Don Simón), Álvaro Lobo (Pablito), Yuri Valenzuela (Lily), Rogelio González (Pepino), Manuel Muñoz (Tony), Rafael Muñoz Andrete Santanón (Ropacha), Guadalupe Pallas, José Chaves, Miguel Ángel Fuentes (Hércules), José Dupeyron, Tamara Garina (Bruja), José Flota, Rosa Ward-Blanco, Terry Ward.
84 minutos. Color

25 de septiembre de 2025

El payaso de Gotham City

Joker (2019), Todd Phillips

Los creadores de Batman y muchos otros personajes de las sagas de DC Comics, Bob Kane, Bill Finger y Jerry Robinson, sabían que Joker tenía tanta personalidad que le hicieron protagonista. Seguro que imaginaron que tarde o temprano, un joven director de cine, harto de hacer comedias universitarias, escogería este personaje para darle una nueva vida y, por qué no, un nuevo origen. Ese joven director sería Todd Phillips.


Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) es un payaso de cumpleaños y aspirante a cómico que vive con su madre, Penny (Frances Conroy), en Gotham City, la metrópoli de Batman que hace equilibrios entre el crimen y la recesión. Arthur sufre ataques de risa incontrolables, provocados por un trastorno neurológico que requiere medicación. Después de que Arthur sea atacado por unos jóvenes en la calle mientras trabaja como payaso-anuncio, su compañero Randall (Glenn Fleshler) le da un revólver para que se defienda. Arthur entabla una relación con su vecina, la madre soltera Sophie Dumond (Zazie Beetz) y la invita a ver su número en un club de la comedia.


La pistola, la vecina, la medicación —o la falta de ella—, una nueva agresión en el metro… y ya la tenemos liada. El payaso se convierte en ídolo y aparecen cientos de Joker con máscaras y maquillaje que le defienden y apoyan. Además, contamos con el enfrentamiento en directo con su ídolo televisivo el cómico Murray Franklin (Robert de Niro) en una de las escenas más tensas de este hipnótico thriller psicológico y, para más inri, Arthur descubre que su madre guarda un secreto familiar que le incumbe directamente.


¿Cómo acabará todo? Lo mejor es que vean la película o que lean toda la trama en Wikipedia, porque yo no estoy dispuesto a descubrirles más intringulis. Solamente resaltar la magnífica interpretación de Joaquin Phoenix en el papel de payaso trastornado y la ironía de la canción Send in the Clowns, del musical "A Little Night Music", de 1973, escrita y compuesta por Stephen Sondheim:

Don't you love the farce?
My fault, I fear
I thought that you'd want what I want
Sorry, my dear
But where are the clowns?
Send in the clowns
Don't bother, they're here

 

Joker (2019)
Productora: Warner Bros. Pictures / DC Films / Village Roadshow Pictures / Bron Creative /  Joint Effort (USA).
Dirección: Todd Phillips
Guion: Todd Phillips y Scott Silver, basado en The Joker de DC Comics (Bob Kane, Bill Finger y Jerry Robinson)
Producción: Todd Phillips, Bradley Cooper y Emma Tillinger Koskoff
Fotografía: Lawrence Sher
Montaje: Jeff Groth
Música: Hildur Guðnadóttir
Intérpretes: Joaquin Phoenix (Arthur Fleck), Robert De Niro (Murray Franklin), Zazie Beetz (Sophie Dumond), Frances Conroy (Penny Fleck), Brett Cullen (Thomas Wayne), Shea Whigham (Detective Burke), Bill Camp (Detective Garrity), Glenn Fleshler (Randall), Leigh Gill (Gary), Josh Pais (Hoyt Vaughn), Rocco Luna (GiGi Dumond), Marc Maron (Gene Ufland), Sondra James (Dra. Sally), Murphy Guyer (Barry O'Donnell), Douglas Hodge (Alfred Pennyworth), Dante Pereira-Olson (Bruce Wayne), Carrie Louise Putrello (Martha Wayne), Sharon Washington (Social Worker).
Color. 122 min.

17 de septiembre de 2025

El Guasón, principal enemigo de Batman

El Joker antes de Joker
Según cuentan, la imagen de Gwynplaine (Conrad Veidt) de la película de Paul Leni inspiró a los creadores de la DC Comics, los que dieron vida a Batman, para imaginar el personaje del Joker —también llamado Guasón o Comodín—, el villano que incordiará al héroe de Gotham desde la primera de sus aventuras en 1940. Es uno de los villanos más populares de la cultura popular, uno de los imprescindibles entre los personajes DC y uno de los que más caras ha tenido en el cine. El payaso maligno se caracteriza por un trastorno psicológico que le provoca una falta de empatía manifiesta, y le lleva a comportarse como un asesino psicópata y sádico al que no le preocupa nada de lo que ocurre a su alrededor. Su personalidad ha ido cambiando con el paso del tiempo alternando su lado más siniestro con su faceta más bromista.



César Romero
El primero de los actores que dio vida al Joker fue César Romero, que se puso la sonrisa eterna en Batman, una serie de televisión estadounidense, comedia de aventuras y fantasía, emitida por ABC entre 1966 y 1968, en tres temporadas, con un total de 120 episodios. Tras la primera temporada de la serie, distribuida por Warner Bros., se realizó Batman, la película (Leslie H. Martinson, 1966), producida por Twenty Century Fox y con César Romero en el mismo papel. Esta película fue censurada en España durante el franquismo, muy probablemente por una escena en donde se parodia al embajador de España ante las Naciones Unidas, por lo que no se estrenó en nuestro país hasta 1979, ya en plena democracia.


Jack Nicholson
En 1989, Tim Burton dirige Batman, la primera de las cuatro películas que forman la primera serie fílmica de Batman. El papel de Joker lo interpreta Jack Nicholson y en su elenco principal también están Michael Keaton (Batman) y Kim Basinger (Vicki Vale), la reportera gráfica que intenta descubrir quién y qué es lo que busca el justiciero nocturno Batman.


Heath Ledger
The Dark Knight (2008), conocida en España como El caballero oscuro, es una película de 2008 dirigida por Christopher Nolan. El papel del villano de la eterna sonrisa lo interpreta Heath Ledger, para algunos la mejor interpretación del malvado anarquista en la pantalla. En un principio los fans de Batman no creían que la elección de Ledger fuese acertada, pero Heath Ledger murió de una sobredosis accidental de medicamentos recetados justo antes del estreno de la película, lo que generó un interés generalizado por parte de la prensa y el público sobre su actuación. Cuando se estrenó en julio, The Dark Knight recibió numerosos elogios, particularmente sobre la actuación Ledger, quien recibió muchos premios póstumos, incluidos los premios de la Academia, BAFTA y el Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto.


Cameron Monaghan
En 2014 se estrena Gotham, una serie de televisión estadounidense creada por Bruno Heller. En el papel de nuestro villano encontramos a Cameron Monaghan. La serie se centra en la adolescencia de Bruce Wayne antes de convertirse en Batman por lo que Cameron Monaghan no utiliza el nombre de Joker. Cameron hace un doble papel: Jerome y Jeremiah Valeska, hermanos gemelos idénticos que adoptan diferentes características del supervillano de DC Comics. Jerome es representado como un psicótico nihilista que propaga el caos en Gotham City hasta su muerte, mientras que Jeremiah es un astuto psicópata obsesionado con atormentar a Bruce Wayne. En el final de la serie, Jeremiah se reinventa y se convierte en una amalgama figurativa de ambos gemelos Valeska, y aunque nunca adopta oficialmente el nombre, es el Joker.

18 de julio de 2025

Los gnomos de jardín van al circo


Feuerwerk (Sueños de Circo, 1954), Kurt Hoffmann 

En 1908, el Cirkus Obolsky llega a una pequeña ciudad alemana. Su director, Sascha Obolsky (Karl Schönböck), es Alexander Oberholzer, el hermano del próspero fabricante local de gnomos de jardín, el burgués Albert Oberholzer (Werner Hinz). La familia Oberholzer, repleta de tías y buenos modales, se ve sorprendida por esta visita circense, sobre todo Anna (Romy Schneider) que queda fascinada por el circo y por su tío bohemio.


Alexander, o Sascha, viene acompañado por una atractiva mujer llamada Iduna (Lilly Palmer), que inmediatamente se convierte —junto con la adiestradora de serpientes— en el centro de atención. Una situación un tanto tensa que parece olvidarse en cuanto Iduna canta la canción Oh, Mein Papa, una canción compuesta por Paul Burkhard en 1939 para el musical "Der schwarze Hecht" y que se convertiría en un éxito con la adaptación que Erik Charell realizó en 1950 para el musical "Das Feuerwerk".


La oveja negra de la familia Oberholzer es un feliz y atractivo galán que irrumpe en el salón de su acomodada familia con un circo lleno de color y sorpresas. El Cirkus Obolsky, en realidad el Gran Circo de los Hermanos Belli tuneado, es un circo a la antigua revestido de lujo —el trabajo de vestuario de Alfred Bücken es sobresaliente, igual que la ambientación— en el que podemos encontrar artistas de primera división como Los 7 Leotaris, Los Pilars, Pilade Cristiani o nuestros compatriotas Los Rudi-Llata, una troupe de payasos, músicos excepcionales, poco conocidos en España —como la mayoría de artistas de circo españoles— que en esa época triunfaban en Alemania y en toda Europa. 


Las entradas de Leo, Nolo, Pepi y Joselito, algunas de las cuales pueden verse en Internet, demuestran una maestría en el arte del payaso difícilmente igualable. Yo no me canso de ver al hilarante Pepi, pues siempre me ha parecido uno de los mejores payasos del mundo.


La película está ambientada en 1908 y sus principales actrices, la veterana Lilly Palmer, que volvía a su Alemania natal después de años de exilio en Inglaterra y Estados Unidos, y la jovencísima Romy Schneider compiten por el protagonismo de una trama en la que la joven Schneider, en mi opinión, sale vencedora. También me ha llamado la atención uno de los tíos de la joven, Gustav, interpretado por el sufrido y narigudo Rudolf Vogel, cómico y actor de carácter de gran presencia escénica.


La función de circo, que ocupa cerca de 15 minutos de la película, a la que asiste finalmente toda la familia del joven descarriado, tiene gusto y ritmo, y mucho color. Además de Los Rudi-Llata, tenemos la oportunidad de disfrutar del trapecio volante de los 7 Leotaris, los chimpancés de Pilade Cristiani, y un número de alta Escuela aderezado con la música que interpreta Lilly Palmer. Lilly Palmer, además, participa junto con un simpático falso caballo en una pieza que merece la pena ver.


La joven Anna sueña con el circo y su sueño se convierte en una serie de secuencias que la llevan del trapecio a la jaula de los leones pasando por el cable de equilibrio. La verdad es que hay bastante circo en Feuerwerk y el charivari final, así como la exhibición primera en el jardín de los Oberholzer, son un derroche de artistas y figurantes que añaden más color, si cabe, a esta película.



La película fue unánimemente aplaudida por la crítica alemana que se congratulaba por el "placer del entretenimiento del tipo alegre y contemplativo" que rezumaba la cinta, convirtiéndose en uno de los musicales favoritos de la posguerra alemana.


Feuerwerk (Sueños de circo, 1954), Kurt Hoffmann
Producción: New German Film Company (GER)
Director: Kurt Hoffmann
Guion: Herbert Witt , Felix Lützkendorf , Günter Neumann basada en la comedia de Erik Charell y Jürg Amstein "The Black Hecht".
Música: Paul Burkhard y Franz Grothe
Fotografía: Gunther Anders , Hannes Staudinger
Edición: Claus de Boro
Intérpretes: Lilli Palmer (Iduna), Karl Schönböck (Alexander Oberholzer), Romy Schneider (Anna Oberholzer), Claus Biederstaedt (Roberto), Werner Hinz (Albert Oberholzer), Rudolf Vogel (tío Gustav), Margarete Haagen (Kathi), Ernst Waldow (tío Wilhelm), Liesl Karlstadt (tía Berta), Kaethe Haack (Karoline Oberholzer), Lina Carstens (tía Paula), Michl Lang (Tío Fritz), Charlotte Witthauer (tía Alwine), Tatjana Sais (Madame Sperling), Willy Reichert (jefe de estación), Hans Clarín (un empleado de circo), Michael Cramer (su colega), Christiane Maybach (Jazmín), Klaus Pohl (Piepereit), Los Rudi-Llata, Los 7 Leotaris, Pilade Cristiani, Los Pilars
Color. 98 min.

30 de diciembre de 2024

Mátate, payaso


Clown (2014), Jon Watts

Kent McCoy (Andy Powers), un agente de ventas de casas está revisando una de sus nuevas casas cuando recibe la llamada de su mujer Meg (Laura Allen), que está desesperada porque el payaso de la fiesta de cumpleaños de su hijo le acaba de comunicar que no puede acudir al evento. Casualmente en la casa, que está llena de polvo y necesita un buen remodelado, hay un viejo baúl que contiene un disfraz y una nariz de payaso, por lo que la fiesta se salva. Kent se entrega en alma y cuerpo en la fiesta de su hijo y acaba agotado, durmiéndose en el sofá con el vestuario y el maquillaje de payaso puestos.


Por la mañana, sin tiempo para cambiarse y sin poder quitarse el maquillaje, Kent lleva a su hijo al colegio y se va al trabajo. En el trabajo intenta quitarse la nariz, el maquillaje y el vestuario, pero no lo consigue.  En casa, su mujer extrañada le arranca la nariz de payaso arrancándole un buen trozo de nariz. Después de ir al hospital, comienza a pensar que está loco y vuelve a la casa donde encontró el baúl. Rebuscando descubre el nombre del antiguo dueño del vestido. Durante la visita descubrirá que el traje está endemoniado, que en realidad es la piel y el pelo de un antiguo demonio del norte de Europa llamado Cloyne, que devoró a cinco niños (uno por cada mes del frío invierno norteño) y que la condena para quien lo lleve es la decapitación o el canibalismo. 


Herbert Karlsson (Peter Stormare), que regenta un almacén de vestuario teatral, el antiguo propietario del vestido de payaso, conoce muy bien la maldición e intenta matarlo. Kent logra evitarlo y huye de de Herbert y de su su familia e intenta suicidarse pegándose un tiro en la boca, pero no le mata. El demonio es inmortal a no ser que se le corte la cabeza. En el segundo intento de suicidio, casualmente mata a un niño y comienza a experimentar en profundidad la dimensión de su problema de vestuario: le gusta devorar niños. La única manera de librarse del demonio es dándole lo que quiere. Así lo consiguió Herbert, ayudando a su hermano, también poseído, con niños terminales de un hospital de cáncer. Meg, después de descubrirlo, piensa que puede hacer lo mismo y ayudar a su marido.


Y comienza el terror, señores. ¿Se comerá Kent/Cloyne a los cuatro niños restantes? ¿Será su propio hijo uno de ellos? ¿Y el perro, que se ha comido parte de la nariz de Kent, estará también poseído? ¿Son estas preguntas spoiler o es el género en sí mismo un inmenso spoiler? Preguntas que el director no tuvo que responder con precisión cuando en 2010 realizó el fake trailer Clown, junto con Christopher D. Ford. En este falso trailer que subieron a youtube atribuían la dirección al "Master of Horror" Eli Roth, director de Hostel (2005) y su secuela. A éste le hizo gracia el atrevimiento de estos jóvenes y aceptó el reto de producirla e incluso de interpretar un papel. Cuatro años más tarde se estrenaba Clown.


Jon Watts y Christopher D. Ford consiguieron escribir un guión completo que reúne todas las características del género. La película cuenta además con el sello de Eli Roth y una buena interpretación de los principales roles, pero aún así no logra convencer del todo. No estoy del todo seguro de que aunque el último plano es el primero de una posible secuela, los productores se animen a financiarla. O a lo mejor sí. Después de todo hay que mantener bien alimentado el terror que los payasos producen en los niños.


Puedes verla aquí.

Clown (2014)
Producción: CAN/USA
Director: Jon Watts
Guión: Jon Watts y Christopher D. Ford
Productor: Eli Roth y Mac Cappuccino
Música: Matt Veligdan
Intérpretes: Laura Allen (Meg McCoy), Andy Powers (Kent McCoy), Peter Stormare (Herbert Karlsson), Eli Roth (Frowny the Clown), Elizabeth Whitmere (Denise), Christian Distefano (Jack McCoy), Chuck Shamata (Walt), Robert Reynolds (Dr. Martin Karlsson), Lucas Kelly (Colton), Michael Riendeau (Robbie), Matthew Stefiuk (el detective)
Color, 100 min.

4 de abril de 2024

Todo queda en familia

Médico de familia (1995-1999)
T2 Cap. 5 "Cuando el circo llega al barrio", 1996 

Ente historias médicas de la tercera edad y problemas de acné adolescente, Chechu (Aarón Guerrero), el hijo del Doctor Martín (Emilio Aragón), tiene que superar la bronca familiar por culpa de cinco suspensos. En el camino de sus primeras pellas se encuentra con la gran carpa blanca del Circo del Arte, el circo de Miliki y Rita Irasema, que se ha instalado en el barrio. 


En su huida hacia adelante, Chechu decide que se va a ir de casa para enrolarse con el circo, pues de repente ha encontrado la vocación de su vida: quiere ser artista de circo. 


Visto desde la distancia, el episodio —me imagino que toda la serie aunque solamente he visto este capítulo— está lleno de lugares comunes, tópicos y planteamientos facilones para toda la familia. De ahí su éxito en España y en los diferentes países donde se exportó la idea. De eso se trataba. De eso y, de paso, de hacer un poco de publicidad al nuevo proyecto que justo ese mismo año, 1996 —casualidad—, arrancaba junto con su padre Miliki: El Circo del Arte, "un proyecto que apuesta por mantener una línea poética en el arte circense", según reza hoy día en la página web de Emilio Aragón. 


El Circo del Arte y los payasos de la tele
El Circo del Arte, a pesar de recibir el premio Nacional de Circo concedido por el Ministerio de Educación y Cultura en 1997, no duró demasiado. Sus tres espectáculos, Mimus, Máscaras y Sueños, recorren España hasta 1999, fecha en la que el proyecto como tal se abandonó y da comienzo la peripecia granadina, uno de los mayores fiascos circenses de los que tenemos noticia.

No nos extraña demasiado. Desde mi punto de vista, Miliki y su familia nunca han sido cirqueros de verdad. Han sido "los payasos de la tele" y se han aprovechado del circo para hacer dinero, mucho dinero. Descendientes de Gabriel Aragón Díaz, el Gran Pepino, y de la ecuyere Virginia Foureaux, la Bella Esmeralda, sus ancestros sí eran auténticos hombres y mujeres de circo, como su padre, el payaso Emig, que trabajaba con sus hermanos, los payasos Pompoff y Thedy

En el episodio del que nos ocupamos hoy no hay circo. Hay una vistosa carpa blanca y multitud de figurantes que van de aquí para allá sin ningún sentido. Pero no hay circo. Tampoco nos extraña, pues en sus programas de la tele tampoco hicieron demasiado por el circo ni por los numerosos y estupendos artistas españoles que había por esos años trabajando por España y por todo el mundo.


Miliki hace un perrito de globoflexia que es una de las mayores chapuzas que he visto en el arte de retorcer globos. El payaso Suso aparece de pasada, como si tuvieran prisa por grabarlo, como un psicópata malabarista sin demasiada gracia y a Rita la vemos colocando las fundas de los asientos del circo. Lo que digo, nada de circo, pura publicidad poco encubierta. Eso sí, se hacen cargo de Chechu —¡cómo se le puede ocurrir a este chaval escaparse de su casa para hacerse artista de circo!— y lo llevan a casa de su padre como si fueran uno más de la familia Martín, en este caso, de la familia Aragón.  


Médico de familia. T2 Cap. 5 "Cuando el circo llega al barrio" (1996)
Producción: Globomedia (ESP)
Creado por: Daniel Écija, Emilio Aragón, Manuel Valdivia, Juan Carlos Cueto, Felipe Mellizo Sanz
Intérpretes:  Emilio Aragón (Nacho Martín Villar), Lydia Bosch (Alicia Soller Moreno), Luisa Martín (Juani Ureña), Pedro Peña (Manolo Martín), Francis Lorenzo (Julio Suárez), Aarón Guerrero (Chechu Martín Soller), Isabel Aboy (María Martín Soller), Gemma Cuervo (Consuelo Moreno), Carlos Ballesteros (Nicolás Soller), Marieta Bielsa (Anita Martín Soller), Iván Santos (Alberto Fernández Martín), Paula Ballesteros (Ruth), Antonio Molero (Poli Moyano), Jorge Roelas (Marcial González), Antonio Gamero (Vicente), José Ángel Egido (Borja Pradera), Lola Baldrich (Gertru Yunquera), Paula Sebastián (Laura Mengíbar), Juan Polanco (Mariano), Ana Duato (Irene Acebal), Jorge Jerónimo (Paco Díaz), Miliki, Rita Irasema, Suso.

12 de marzo de 2024

Bill Ballantine



Bill Ballantine (1910-1999), nacido en Pennsylvania (EE.UU.) fue payaso profesional, escritor prolífico e ilustrador de temas circenses. Ballantine colaboró con ensayos sobre circo y viajes en las principales revistas del momento como Collier's, Holiday, Harper's Bazaar, Saturday Evening Post, True, Saga y Seventeen. 


Desde muy pequeño sintió una atracción irresistible hacia el mundo del espectáculo, esa mezcla de polvo y lentejuelas que te atrapa sin saber por qué. Después de graduarse, Ballentine comenzó su carrera como ilustrador, trabajo que abandonó relativamente cuando decidió enrolarse en 1947 con el Ringling Bros. and Barnum Bailey Circus como payaso. Años más tarde, de 1969 a 1977, fue el decano de la escuela de payasos del Ringling. Precisamente en esta etapa se grabó el documental Clown Face (Charles Eames, 1971) que ya hemos proyectado en nuestra carpa.


Ballantine también es autor de diez libros, entre ellos Wild Tigers and Tame Fleas, Horses and Their Bosses y Clown Alley, que narra sus años en el Barnum & Bailey Clown College. A lo largo de su dilatada carrera como escritor e ilustrador, publicó cerca de 100 artículos sobre circo y viajes e ilustró regularmente el artículo de la revista True "Strange but True" (Extraño pero cierto) con sus graciosos y humorísticos dibujos a pluma y tinta.

Bill Ballantine and mermaid 

En este enlace podrán encontar este libro en pdf

Ballantine, Toby Circus
Clown, the Art of Bill Ballantine
Eternal Ways, 2020