30 de diciembre de 2007

Jiri Trnka.


The Merry Circus (El alegre circo, 1951), Jiri Trnka

PARA DESPEDIR el año, no he podido evitarlo, porque me lo he encontrado y me ha parecido un regalo. Se titula Veselý cirkus (El alegre circo o The Merry Circus, 1951) y está realizado por el artista checo Jiri Trnka en el año 1951. Cuatro años más tarde, en 1955, realiza otro corto de unos veinte minutos dedicados al circo, Cirkus Hurvínek, un interesante film de animación de marionetas.

"A lo largo de su carrera Trnka experimentó con diferentes técnicas de animación, desde los dibujos animados tradicionales, en sus primeros cortos, hasta la animación con sombras chinescas. Sin embargo, su procedimiento preferido, y el que le dio fama mundial, fue la animación llamada stop-motion con marionetas. En realidad Trnka no se ocupaba de la animación propiamente dicha, sino principalmente de la elaboración de los guiones y de la fabricación de las marionetas. Su estudio contaba con un preparado equipo de animadores, entre los que destaca especialmente Břetislav Pojar, acreditado como responsable de la animación de muchas de las películas de Trnka, y que luego seguiría una destacable carrera como director". (Wikipedia)


28 de diciembre de 2007

Factoría Aardman


The Circus (El circo 2003),  Aardman Animation

SON MUCHAS las películas de animación que transcurren en un circo o que sus protagonistas son payasos o animales de circo. El circo es un continente amable y familiar para los niños "from all ages" y yo me atrevería a decir que todos o casi todos los personajes importantes de la historia de la animación tienen algún episodio en el circo: Popeye, el sapo Flip, Little Nemo, Félix el gato, Koko the Clown, Super Ratón, el Pájaro Loco, etc.
El vídeo que tengo el placer de presentar es más actual. Se trata de un episodio de 2003 de la primera temporada de Creature Comforts, The Circus, de Aardman Animation. Me gusta utilizarlo para iniciar entretenidas conversaciones o intensos debates sobre el circo en general. Una divertida manera de romper el hielo.




Y para los que quieran verlo y oirlo en inglés aquí está la versión original:
http://www.youtube.com/watch?v=NlJ7x45dQ8E


El otro:Dumbo


Dumbo (1941), Ben Sharpsteen

EN 1941, la factoría de sueños Walt Disney saca a la luz esta maravillosa película de animación de la RKO. Aleccionadora en cuanto a la exclusión y el miedo a la diferencia, Dumbo puede ser, hoy en día, un ejemplo de integración y solidaridad, aunque en su día, los personajes de los cuervos –caricaturizados como afro-americanos e interpretados por miembros de un coro de gospel– llevaron a la gente a criticar a la película por introducir elementos racistas. Un ratón, el enemigo ancestral del elefante, el pequeño Timothy, es quien le ayuda a salir de la depresión causada por sus orejas demasiado grandes. Dumbo es poseedora del Oscar a la Mejor partitura musical creada por Frank Churchill y Oliver Wallace y de un Premio de Cannes a la Mejor película de animación. A pesar de haber costado la mitad que Blancanieves, Dumbo es, todavía hoy, la película que más beneficios ha dado a la Disney y la que más veces se ha reeditado.

La secuencia "Pink Elephants on Parade" nos muestra las alucinaciones de borrachera de los dos protagonistas de una manera nada convencional para los estrictos códigos de entonces de la Walt Disney. Las imágenes son como un absurdo sueño surrealista con planos muy sugerentes y muy modernos para la época.

Precisamente, Dumbo y uno de los Elefantes Rosas aparecen en la película Who Framed Roger Rabbit como empleados de R. K. Maroon. ¡La borrachera les llevó demasiado lejos!

Quienes queráis ver la versión en español aquí hay otro enlace.







El verdadero Jumbo: Phineas T Barnum


El auténtico Jumbo superó las expectativas del mismísimo P.T. Barnum, uno de los primeros empresarios circenses a lo grande, protagonista de una azarosa vida que ha sido llevada a la pantalla en varias ocasiones. The Mighty Barnum (1934) es la primera de la serie, una película con algunas inexactitudes en las que destaca la participación del protagonista Wallace Beery y del actor Adolphe Menjou que interpreta a su socio Mr. Bailey. En 1986, Michael Crawford interpreta al genial empresario en el musical de Broadway titulado Barnum!, que en España interpretó un jovencísimo Emilio Aragón en una de las últimas grandes producciones de Arturo Castilla. En ese mismo año, un experimentado Burt Lancaster protagoniza la carrera meteórica de un Barnum sin escrúpulos, innovador en las técnicas publicitarias y dueño del Museo más famoso de la historia de Estados Unidos. En 1995 se realiza un magnífico documental del Canal Discovery de tres horas en el que, por fin, podemos descubrir al auténtico Barnum. Los responsables de este documental son los mismos que los autores del libro: P.T. Barnum, Americas´s greatest showman, la familia Kunhardt, estudiosos y coleccionistas de todo tipo de material relacionado con Barnum. En 1999, le toca el turno al actor Beau Bridges en P.T.Barnum, otra producción para la televisión americana en dos capítulos de hora y media nominada varias veces para los Premios Emmy.



Jumbo


Filme musical en el que Kitty Wonder y su padre, jugador empedernido, intentan salvar su circo de las mañas de un astuto competidor que quiere hacerse con el famoso paquidermo y que introduce a su hijo como espía en el Circo Wonder. Ay, pero el amor tuerce los planes de los Noble y finalmente el simpático elefante permanece con sus legítimos dueños. La mayor atracción de este circo reside en Jumbo, un elefante de gran talento que trabaja en un circo lleno de risas y mucho entretenimiento, de canciones y de bailes y sobre todo, de amor. Una radiante y cantarina Doris Day se exhibe montada a lomos de un caballo en este espectacular musical que incluye grandes escenas circenses. Busby Berkeley, famoso coreógrafo que destacaba por sus elaborados y geométricos números musicales, participó en este film como director de segunda unidad y su trabajo se puede apreciar en el número de Over and Over Again.


Sus planteamientos requerían un gran número de artistas y elementos para imitar un efecto de caleidoscopio y los números musicales de este film, el último de su carrera y también el último de los grandes musicales de la MGM, son extraordinarios en cuanto a complejidad, colorido, número de artistas participando, ángulos de cámara, etc. La película es ideal para estas fechas. El amor y la sorpresa triunfan, las canciones, standards de Rogers & Hart, están magistralmente interpretadas por los actores, entre los que se encuentra un divertido Jimmy Durante.

Charles Walters dirigió la película junto con Joe Pasternak y Martin Melcher como productores y aunque la película no tuvo demasiado éxito en su momento, hoy en día está considerada como una de las películas circenses más importantes. Doris Day fue nominada como "best actress in a musical or comedy" en el Hollywood Foreign Press Awards de 1962.

Eleanor Powell


Para que veáis que tengo razón en lo que he afirmado de Eleanor Powell he encontrado esta pequeña joya para vuestro disfrute. El claqué es una disciplina artística que se ha presentado muchas veces en las pistas de circo. Recientemente tuvimos la oportunidad de ver a Pat Bradford en el Teatro Circo Price dentro del programa del Circ Raluy, que además de claqué con los pies, lo hace con las manos, en equilibrio sobre ellas. Actualmente el claqué ha sido sustituido por los bailes de los breakers o el hip hop que también se presentan en los circos.

Esta secuencia es, en mi humilde opinión, puro arte. Es una escena que se filmó para su filme Honolulu (1939) y que finalmente se añadió siete años más tarde a la película The Great Morgan (1946)
.



Pero no solo por Eleanor tenemos esta película en nuestra lista. Una secuencia inolvidable ha preservado para la posteridad el excelente trabajo de la malabarista Trixie Larue y afortunadamente podemos verla en este magnífico archivo audiovisual que es www.juggling.tv

Perros y Tap Dance


Un sorprendente número de claqué y perro protagonizado por, según mi opinión, la bailarina más caliente, cálida si se quiere, de todas las claquetistas de Hollywood: la maravillosa Eleanor Powell en la película Lady be good (1941).



Aquí tenemos de nuevo a Gene Kelly con un original número de perros que merece la pena ver. La película es Living in a big way de 1946.



Donald O´Connor


Cantando bajo la lluvia (Singin' in the Rain, 1952), de Stanley Donen y Gene Kelly

Cantando bajo la lluvia
contiene momentos excepcionales. Todos nos hemos maravillado de un modo u otro con este increíble musical interpretado por Gene Kelly, Donald O´Connor y la simpática Debbie Reynolds. El talento del director, Stanley Donen, se amplifica con el trabajo de codirección del bailarín y coreógrafo Gene Kelly. Pero si el trabajo de Kelly destaca en esta genial película, el de su pareja de baile, el inimitable Donald O´Connor, raya en lo sublime. Donald O´Connor es un buen payaso, además de un virtuoso del tap dance, así que se merece estar con todos los honores en este humilde blog dedicado al cine y al circo.



27 de diciembre de 2007

Gene Kelly



Invitation to the dance (1952), de Gene Kelly

En 1952, Gene Kelly realiza Invitation to de Dance, una curiosa película sin palabras compuesta por tres cortos, de los cuales uno (Circus) está íntegramente dedicado al mundo del circo, para ser más exacto al mundo del espectáculo callejero. Gene Kelly interpreta el papel de un Pierrot que sufre en silencio su amor imposible por la bella zíngara que baila y contonea su cintura. Un funambulista, un latin lover del circo, le robará el corazón a la bella joven lo que provoca la inevitable tragedia. Los decorados, el vestuario y las coreografias de baile son realmente una invitación a enamorarse de la danza y, en este caso, del circo.

El excepcional bailarín y coreógrafo Gene Kelly (1912-1996) comenzó su carrera artística en el Vaudeville junto con su hermano Fred bailando bajo el nombre The Kelly Brothers. Ambos pasaban horas y horas ensayando las complicadas coreografías de claqué que, más tarde, caracterizarían el trabajo de este atlético artista. En muchas de sus películas podemos encontrar guiños al circo o a los espectáculos de variedades. En El Pirata (1948) podemos deleitarnos con el tema "Be a clown" interpretado por el mismo Gene Kelly y la encantadora Judy Garland, ambos caracterizados de payasos.






La Barraca de los Monstruos


La Barraca de los monstruos (La Galerie des monstres, 1924), de Marcel L'Herbier

Esta película es una coproducción hispano-francesa en la que la presencia española se reduce a la filmación de los exteriores en Toledo y Segovia (en la villa de Pedraza siguen orgullosos de ser pioneros en localizaciones de películas) y a que la protagonista, Lois Moran, era familia del entonces embajador de Estados Unidos en España.
La barraca de los Monstruos nos cuenta las desventuras de una joven enamorada de un payaso, que se enfrenta con las pretensiones deshonestas del director del circo. La muchacha se niega a acceder a los requerimientos de Mr. Loyal, así que este intenta matarla. La participación de todos los titiriteros logrará que finalmente triunfe el amor.
En este melodrama cabe destacar el trabajo de director artístico Marcel L´Herbier, los decorados de Alberto Cavalcanti y la fotografía de Georges Specht. Un trabajo que junto con el del director Jacque Catelain (que además participa como actor) queda patente en todo el tratamiento cinematográfico de esta película. La sutil utilización de los encadenados y la dinámica del montaje, la composición de imágenes y la recreación de un ambiente único e irrepetible nos llevan a escenas conmovedoras, absurdas, terroríficas, poéticas…
En un tablao sobre el que baila un peculiar arlequín hasta el desmayo hay todo tipo de "monstruos": una enana, una mujer barbuda, payasos, un forzudo, bailarinas de can-can, una vidente.., incluso Kiki de Montparnasse vestida de bailaora flamenca, con un vestido de faralaes, pandereta y rizos en el pelo. La película es un derroche de imaginación en cuanto al montaje y a la caracterización (el mismo arlequín parece un antecedente de Marilyn Manson) y mantiene un ritmo de la narración muy dinámico. La Barraca de los Monstruos o La Galería de los Monstruos (1924) es anterior a la conocida película Freaks (1932), del director Tod Browning y en su trama tampoco faltan las pasiones, las venganzas, la solidaridad de los titiriteros, la fiesta y el bullicio de la feria y un final feliz. Mi copia tiene los títulos en ruso, así que me tengo que imaginar los escasos títulos viendo unas imágenes que son, a veces, demasiado evidentes.

Los Cuatro Diablos







4 Devils (1928), de F.W. Murnau

Después del éxito de su película Amanecer (Sunrise, 1927), F.W.Murnau afirmaba:
"Everything is subordinated to my picture, and just I do not permit myself to be influenced away from what I think is the right thing to do and the right person to use, I will not do a picture that is based on a theme not to my liking or conviction". La realidad fue muy diferente: en solo dos años, el genial director de cine abandona la Fox decepcionado por el control de la productora de su película City Girl (1930) y después de participar en Tabu (1931) muere a los 42 años en un accidente de coche.

De la época americana de Murnau la única película que se mantiene perdida es 4 Devils (1928), una película de la cual se sabe que hubo dos versiones, una muda y otra sonora, pero de la que, desgraciadamente, no se conserva ninguna copia. Solamente podemos seguir su pista leyendo la novela de Herman Bang o la versión novelizada de la película realizada por Guy Fowler, o más recientemenete, gracias a la reconstrucción que la Fox incluye como extra en el Dvd (2003) de Amanecer. Gracias a las numerosas fotografías publicitarias y a los excelentes dibujos de Robert Herlth, director artístico de Murnau, podemos imaginarnos a Janet Gaynor o a Mary Duncan como las protagonistas de una nueva historia de niñas huérfanas adoptadas por el payaso, pasiones aristocráticas y celos y tragedia en el trapecio.

Las escenas de trapecio volante están dobladas por Los Codona, los geniales trapecistas liderados por Alfredo, el primer trapecista en realizar el triple salto mortal como parte de su programa en doble función. La película tuvo cuatro finales diferentes, pues todas las opciones parecían demasiado trágicas. En estos momentos el cine está viviendo uno de los cambios más traumáticos vividos por algunos de sus protagonistas, entre ellos Murnau: el cine comienza a hablar, y es por esto que 4 Devils se estrena dos veces en tan solo ocho meses. ¡demasiados estrenos y demasiados finales para una película que se ha perdido!

De todas maneras, sí podemos ver una versión anterior de esta novela en una película danesa de 1911 en la que interviene el actor y director de cine Alfred Lind, autor de otras películas con el circo como telón de fondo como Den Flyvende Cirkus (1912), The Bear Tamer (1912), Ultima rappresentazione di gala del circo Wolfson (1916) y Tragödie im Zirkus Royal (1928) y del que hablaremos más detenidamente en otra ocasión. Existen referencias de una versión rusa dirigida por Wladyslaw Starewicz en 1913 y otra india dirigida por Homi Master, aunque la única que he tenido la suerte de ver es la versión danesa en una sorprendente copia con los títulos en español distribuida en Uruguay.



4 Devils (1928)
Producción: Fox Film Corporation (EEUU)
Director: F. W. Murnau
Guión: Berthold Viertel, Carl Mayer y Marion Orth, basado en la novela “De Fire Djarle”, de Herman Joachim Bang.
Intérpretes: Janet Gaynor (Marion), Charles Morton (Charles), Nancy Drexel (Louise), Barry Norton (Adolf), J. Farrell MacDonald (Walker, el payaso), Anders Randolf (Cecchi), Claire McDowell (la mujer), Wesley Lake (el viejo payaso), Michael Visaroff (el director del circo), André Cheron, George Davis, Mary Duncan, Philippe De Lacy, Anita Fremault, Jack Parker, Dawn O'Day y el perro Poodle.
100 min. Blanco y negro.


28 de noviembre de 2007

Grock es el más grande

Charles Adrien Wettach  Loveresse (Suiza), 10 de enero de 1880  Imperia (Italia), 14 de julio de 1959   Para mi, Grock ha sido el más grande. No me canso de ver su actuación una y otra vez y en cada ocasión encuentro un detalle que me reafirma en mi idea: es el mejor. ¿Qué se puede decir cuando tienes la posibilidad de ver su actuación? Siéntate y disfruta. Lo comentamos otro día.

La Venenosa



La Venenosa (1928), de Roger Lion

JACQUES DAMASE en su libro Les Folies du Music Hall (1960) dice de Raquel Meller: "She had exquisite looks: delicate feature, dark, gentle eyes, a beautiful mouth and soft voice. Raquel Meller become the idol of Paris. There were pictures of her everywhere, and her songs were widely sung, especially El Relicario and La Violetera, those little masterpieces by Padilla".

Lo cierto es que a partir de su aparición en el teatro Arnau, de Barcelona, la artista va a subir los peldaños de la popularidad con decisión y en París alcanza a la de Sarah Bernhardt, Mistinguette, Eleanora Duse, Isadora Duncan o Josephine Baker. Frejaville en Au-Music-Hall (1923) se deshace en elogios para la artista española: "Raquel Meller m´a ému, séduit, charmé… (…) elle exprime à merveille une faiblesse presque puerile jointe à l´ardeur du désir, la mélancolie passionnée, le regret. la tendresse, et une sorte de terreur superstiteuse de la mort et de l´au-delà, dont on ne sait si elle est spécifiquement espagnole ou simplement féminine…".

Desde 1919 a 1932, la estrella de la canción Raquel Meller participa en varias películas, casi todas, paradójicamente, mudas. La Venenosa es precisamente su última película muda y aunque su interpretación no trascendió tanto como en la Carmen de Jacques Feyder, la película vista hoy en día es una delicia. Los subtítulos en español son verdaderamente divertidos y nos ayudan a adentrarnos en la historia de Miss Liana, una bella trapecista que sufre una maldición: sus besos son mortales. Basada en la novela de "El Caballero Audaz", La Venenosa está dirigida por Roger Lion en 1928. En ella, podemos disfrutar de una velada en el Cirque de Hiver de París en la que vemos de pasada a los payasos Rico y Alex, imágenes de minivolante con cama elástica, doma de leones con la jaula iluminada por fuegos artificiales, unas imágenes de los Hermanos Alegría, caballos en libertad y trapecio volante. Un carablanca enamorado y no correspondido, una constante en muchas de las películas ambientadas en el circo, que muere trágicamente después de besar a la mujer maldita. Después la historia sigue. Celos, venganzas, amoríos, engaños y la fatalidad que se muestra implacable hasta que llega el amor de verdad, el que dura para siempre.

Francisca Marqués López, el verdadero nombre de Raquel Meller, fue tentada por el mismísimo Charlie Chaplin para que participase en City Lights como actriz, pero el genial Charlot se tuvo que conformar con incorporar la melodía de la canción La violetera como un tema principal en esta película.

27 de noviembre de 2007

La Venus Rubia


Carne de fieras (1936), de Armand Guerra


ESTA película se filmó en 1936 y nunca fue terminada. Su director, Armand Guerra, el pseudónimo de un activo anarquista valenciano llamado Armando Estibalis, se había hecho un oficio en el cine redactando subtítulos en español para películas de la UFA en Alemania. Una vez comenzada la Guerra Civil española, Armand Guerra abandona la película, para unos días más tarde reanudarla de nuevo y acabarla deprisa y corriendo antes de incorporarse al frente para la filmación de películas bélicas.

El mismo Armand Guerra nos cuenta anécdotas del rodaje: "Otro problema vino a complicarme la situación: la falta de carne para los leones… El domador, Georges Marck y la artista Marlène Grey "la Venus Rubia", franceses ambos y adictos a nuestra causa, corrían grave peligro, pues las fieras, hambrientas, podían causar una catástrofe irreparable. Pero gracias a la buena comprensión y a la desinteresda ayuda de los compañeros del Sindicato Único de la Gastronomía, las pobres fieras pudieron nutrirse de vez en cuando… Sin embargo una tarde, la artista francesa Marlène Grey, que actuaba totalmente desnuda dentro de la jaula, en medio de los cuatro leones, estuvo apunto de ser devorada por uno de ellos…". Después de la Guerra Civil, el productor, Arturo Carballo, el mismo de la película Frivolinas y empresario del castizo Cine Doré, pretendió realizar un montaje que pasase la censura de esa época e incluso pensó en dibujar un improbable bañador en cada fotograma para tapar la desnudez de la artista.

Pablo Álvarez Rubio (el loco de Drácula de Tod Browning), la vedette Tina de Jarque, Antonio Galán y el propio Armand Guerra completan el reparto de esta película que no destaca precisamente por sus méritos cinematográficos. Hoy destaca por lo insólito de la idea, la época histórica del rodaje, el misterio y atractivo que tienen las películas inacabadas y porque es una película de 1936 acabada en el año 1992 gracias al empeño de la Filmoteca de Zaragoza y la Filmoteca Nacional Española. De la artista francesa Marlene Grey se cuenta, según diferentes fuentes, que acabó sus días devorada por un león o a manos de los franquistas, finales ambos muy truculentos. Armand Guerra murió en la calle, de un infarto, en París cuando iba a renovar su documentación de exiliado.

Carne de fieras (1936)
Producción: Arturo Carballo (ES)
Argumento, Guión y Dirección: Armand Guerra
Intérpretes: Marlène Grey (Marlène), Pablo Alvarez Rubio (Pablo), Georges Marck (monsieur Marck), Tina de Jarque (Aurora), Alfredo Corcuera (Picatoste), Antonio Galán (Antonio), Armand Guerra (Lucas), Mercedes Sirvent (la madrina), Sara Iglesias, Jack Sidney, Antonio Montoya.
71 min. Blanco y negro.

(El rodaje de la película coincidió con el golpe militar del 18 de julio de 1936. En 1992 la Filmoteca Española y Filmoteca de Zaragoza encargaron el montaje de la película al historiador cinematográfico Ferrán Alberich).

26 de noviembre de 2007

24 horas de la vida de un clown


Vingt-quatre heures de la vie d'un clown (1945) de Jean Pierre Melville

El director de cine francés Jean Pierre Melville (Jean-Pierre Grumbach)
, considerado como el padre de la nouvelle vague, realiza en 1945 su primera película, un curioso reportaje sobre el payaso Beby, Vingt-quatre heures de la vie d'un clown, un documental sobre este interesante payaso que trabajó durante un tiempo (ver la ilustración) con el considerado mejor carablanca de todos los tiempos, el famoso Antonet. En la película, Beby está trabajando con el clown Maïss en el Circo Medrano de París obteniendo un éxito notable.

El cortometraje supone un acercamiento al universo y la intimidad de los célebres artistas de la época (años 40), ahora olvidados y el director la realiza después de montar su propia productora tras su decisión de convertirse en realizador de cine, así que la película está realizada con un presupuesto bastante bajo. Aún así, la película resulta muy interesante ya que traza una biografía del payaso Beby con fotografías de archivo, podemos ver el ya desaparecido Circo Medrano y el camerino de los payasos donde estos se maquillan y hasta un trocito de su actuación. El título está inspirado en el libro de Stefan Zweig "Vingt-Quatre Heures de la vie d'une femme".

Vingt-quatre heures de la vie d'un clown (1945)
Producción: Melville Productions (FR)
Guión y Dirección: Jean Pierre Melville.
Intérpretes: Aristodemo Frediani “Beby” y Louis Maïss.
Blanco y negro. 20 min.


25 de noviembre de 2007

Festival de Payasos


Festival de Payasos (Clown Clown, 1979)

En 1979, en Suecia, el Circo Scott presentó un programa compuesto única y exclusivamente por payasos. Los mejores payasos del momento en una gala irrepetible producida por y para la televisión sueca y otras televisiones europeas con el nombre de Clown Clown y enmarcada en el espléndido circo estable el Djurgarden Royal Circus de Estocolmo.


La espléndida Gala reunió nada más y nada menos que a Los Rastelli, Mr. Braun, Pompoff & Thedy family, Joe Jackson, Fattini, Charlie Rivel, Galetti, Gino Donati, Los Chickys, Roy Bradley, George Carl y Pio Nock. Solamente por la actuación del maestro George Carl merece la pena tener este vídeo, pero es que además tenemos una espléndida actuación de Charlie Rivel acompañado por su hija Paulina, un número magistral de bicicleta cómica con más de cien años realizado por Joe Jackson, una oportunidad única para conocer cómo se desenvolvían la familia de Pompoff y Thedy (un apunte especial para Nabucodonosorcito) y la magnífica actuación de Gino Donati cantando ópera mientras realiza equilibrios acrobáticos. 

Este es George Carl, uno de los grandes.


Y este otro es Joe Jackson Jr. haciendo el mismo número que su padre.


23 de noviembre de 2007

La Linterna mágica


La Linterna Mágica (La Lanterne magique (1903), de Georges Méliès
En el siglo XVII aparece un ingenioso aparato precursor del cinematógrafo que es objeto de curiosidad e investigación por diferentes científicos. Ya avanzado el siglo XVIII, la Linterna Mágica comienza a viajar de la mano de los feriantes que muy pronto intuyeron el potencial de este invento. A partir de 1800 este tipo de exhibiciones comienzan a ser más frecuentes y, en ocasiones, demasiado impactantes para un público completamente inocente respecto a este tipo de entretenimiento. Estos espectáculos eran una combinación de las imágenes proyectadas por la Linterna Mágica, narraciones didácticas sobre temas de interés relativos a las artes, la ciencia o narraciones populares y, en ocasiones, música en vivo. Una mención especial se merecen las Fantasmagorías del belga Robertson, un espectáculo de linterna que simulaba la aparición de fantasmas, espíritus o monstruos para aterrorizar al espectador.

Hacia 1895, justo cuando se gestaba el nacimiento del cinematógrafo, se estima que habría 50.000 shows diferentes
de Linterna Mágica solamente en Estados Unidos. Durante 250 años la Linterna Mágica fue el espectáculo visual por excelencia y su versatilidad ya presagiaba el gran poder comunicativo que tienen las imágenes: de hecho, las iglesias y las escuelas fueron de los primeros en utilizar el mágico e inocente invento.Georges Méliès, pionero del cine e inspirador de mi afición por esta mezcla de emociones que son el cine y el circo realizó en 1903 una curiosa película titulada precisamente La Linterna Mágica. En ese mismo momento, este longevo artilugio de luces y sombras comenzaba a ser pieza de museo.


19 de noviembre de 2007

El Circo de Calder


Le cirque de Calder (1961) de Carlos Vilardebó

Oiseleur du fer, horloger du vent, dresseur de fauves noirs
ingénieur hilare, architecte inquiétant, sculpteur du temps, tel est Calder
Jacques PRÉVERT


LA MAGIE a Calder es el título de una recopilación de tres interesantes documentales sobre el artista Alexandre Calder que el director portugués Carlos Vilardebó realizó entre 1961 y 1974: Le cirque de Calder, Les mobiles de Calder y Les gauches de Sandy


En 1925, el periódico National Police Gazette encargó a este visionario artista de Pensilvania las ilustraciones del espectáculo del circo Ringling Bros. and Barnum &  Bailey. Calder permaneció en el circo durante dos semanas hasta que "sabía diferenciar qué número venía por la música que sonaba" y se despertó en él la fascinación por el circo. Ya en París, en 1926, creó su propio Circo Calder, una performance en la que intervenían figuras construidas con alambre, madera, trapo y gomas y mediante la cual el artista se presentó a la vanguardia parisina, Mondrian, Cocteau, Miró, Le Corbusier, Léger, Arp, Man Ray, Duchamp y otros artistas, en el Salón de los Humoristas de París en 1927. 


El mismo Calder daba vida a todos y cada uno de los personajes (trapecistas, domadores, payasos, lanzadores de cuchillo, leones…), y les ponía voz, mientras que su esposa, aparte, pinchaba en un tocadiscos las típicas melodías circenses. Las representaciones debían de ser deliciosas y duraron hasta 1976.




Gracias a este film de Carlos Vilardebó podemos disfrutar de una mágica y artística representación del poético Circo Calder: el león se come la cabeza del hombre con la cabeza de corcho, el lanzador de cuchillos hiere accidentalmente a su partenaire, las caquitas de los animales, rápidamente recogidas por el propio Calder con su recogedor y su escoba en miniatura, la divertida precisión de los movimientos de los jinetes, de los equilibristas y de los trapecistas. La pista del circo, hecha con maderas pintadas, las alfombras, los animales: perros, leones, caballos, elefantes… Y el artista anunciando las atracciones, utilizando el silbato, marcando el ritmo de la función, disfrutando como un niño de cada segundo del papel de Maestro de ceremonias.

Para saber más sobre Calder y ver su obra disponible en diferentes galerías os recomendamos esta página: https://www.artsy.net/artist/alexander-calder

Le Cirque de Calder / Calder's Circus (1961)
Producción: Société Nouvelle Pathé Cinéma (FR)
Director: Carlos Vilardebó
Intérpretes: Alexander Calder y Louisa James Calder
19 min. Color





18 de noviembre de 2007

Los payasos de Fellini



I Clowns (1971), Federico Fellini

"Le cirque, c'est l'instant; comme le cinéma"

I CLOWNS es un homenaje de gratitud, alucinante y un tanto patético del gran cineasta Federico Fellini hacia los payasos y feriantes que tanto le han influenciado en su carrera y que se plasma en muchas de sus películas. Fellini hace que los payasos interpreten la muerte del circo en la pista. Esto le ha valido el odio de algunos de los más entusiastas defensores del circo y que muchos payasos no vean con agrado este film. En todo caso, el documental, una coproducción de varias televisiones europeas, es muy interesante y hoy día tiene un valor histórico bastante notable.

Por un lado tenemos a numerosos payasos en la pantalla o dando su opinión o actuando: los payasos italianos Billi, Scotti, Fanfulla, Rizzo, Furia, Reder, Valentini, Merli, Pistoni, Furia, Sbarra, Carini, Terzo, Vingelli, Fumagalli, Zerbitani, Los 4 Colombaioni, Los Martana, Maggio, Sbarra, Janigro, Maunsell, Peverello, Sorrentino, Valdemaro y Bevilacqua; y los payasos franceses: Alex, Bario, Père Loriot, Ludo, Charlie Rivel, Maiss, Nino.. Por otro lado, tenemos a Fellini hablando con el famoso historiador de circo Tristan Remy y también contamos con la participación de Pierre Etaix, Gustave et Victor Fratellini, Annie Fratellini, Baptiste, Liana, Rinaldo y Nando Orfei, la guapísima Anita Ekberg, el mismo Federico Fellini, los domadores Bouglione y Franco Migliorni y Maya Morin, Lina Alberti, Alvaro Vitali y Gasparino. Podemos ver la recreación que Fellini hace de los Hermanos Fratellini en una secuencia inolvidable en un psiquiátrico o un surrealista pase de modelos con los brillantes y coloristas trajes de carablanca, imagen que un año más tarde repetirá en la película Roma con el desfile de moda eclesiástica.
Según Fellini "el clown encarna los caracteres de la criatura fantástica que expresa el aspecto irracional del hombre, la parte del instinto, ese matiz rebelde y contestatario contra el orden superior que hay en cada uno de nosotros".
En los videos de más abajo están la recreación de Los Fratellin que, aunque no hay sonido, merece la pena ver y la nostálgica escena final.





I Clowns /Die Clowns (1971)
Producción: Bavaria Film (ALE) - Compagnia Leone Cinematografica (IT) - Office de Radiodiffusion Télévision Française (FR) - Radiotelevisione Italiana (IT)
Director: Federico Fellini
Guión: Federico Fellini y Bernardino Zapponi
Intérpretes; Federico Fellini, Riccardo Billi, Tino Scotti, Fanfulla, Dante Maggio, Galliano Sbarra, Nino Terzo, Giacomo Furia, Carlo Rizzo, Gigi Reder, Alvaro Vitali, Anita Ekberg, Pierre Étaix, Annie Fratellini, Charlie Rivel
92 min. Technicolor


16 de noviembre de 2007

El vuelo del águila


Santa Sangre (1989), de Alejandro Jodorowsky


“La mayor parte de los directores hacen sus películas con los ojos.
Yo las hago con mis testículos”

Alexandro Jodorowsky

ALEJANDRO Jodorowsky nace en 1930 en Chile de padres argentino-rusos. En 1953 abandona Chile por París donde estudia mimo con Marcel Marceau y donde filma su primera película, The Severed Head, una filmación sobre mimo que hoy se considera perdida. Durante los años sesenta Jodorowsky viaja entre París y México dirigiendo teatro de vanguardia y performances, escribiendo libros y creando una tira de cómic llamada Fabulas Pánicas. Crea una revista surrealista (S.NOB) con varios escritores mexicanos y con Fernando Arrabal y Roland Topor organiza el Movimiento Pánico. A finales de los sesenta realiza su auténtico debut cinematográfico con Fando y Lis con guión de Arrabal y comienza a trabajar con El Topo, que se convertiría en un clásico filme de culto. Después de dos películas más (Holy Mountain y Tusk) Jodorowsky pasa una buena temporada alejado del cine hasta que en 1989 reaparece con Santa Sangre un controvertido estreno que fue bien recibido por la crítica y que supuso un resurgir del interés sobre el trabajo de Jodorowsky.Santa Sangre pertenece, por méritos propios, a la lista de las películas más bizarras de la historia y algunas de sus imágenes nos devuelven al cine más visceral de Buñuel, una mezcla de surrealismo y psicoanálisis que nos lleva, por el camino de las emociones, a compartir la aventura de Fénix, un niño traumatizado en su infancia por una escena muy violenta protagonizada por sus padres, un dueño de un circo viajero y una aerealista que es también líder de una secta que venera a una virgen sin brazos y cuya sangre (Santa Sangre) se conserva en una piscina. Años más tarde, la madre va a buscar a Fénix al asilo psiquiátrico y le convierte en su esclavo psicológico y físico pues, desde entonces, los brazos de Fénix serán los brazos de su madre, mutilada como la virgen que adoraba. La historia es también la del amor de Alma y Fénix.



La película está llena de escenas donde se mezcla la poesía y la crueldad, como la agonía del elefante y su descuartizamiento por los pobres del barranco, la niña muda pasando un cable con fuego, el padre tatuando al hijo con un cuchillo, el lujurioso lanzamiento de cuchillos sobre la mujer tatuada o el número que realizan Fénix y su madre. Escenas que no dejan a nadie indiferente y que convierten a Santa Sangre en una película muy personal, fuera de los mercados cinematográficos, con una fuerza visual inusual y muy impactante.

Jodorowski también estuvo involucrado en la primera versión de Dune, que él mismo pensaba dirigir hasta que los productores optaron por David Lynch. En 1990 realiza The Rainbow Thief, la que por el momento es su última película. En la actualidad sigue colaborando en los guiones de los cómics del famoso dibujante francés Moebius y practica y escribe sobre la psicomagia, convirtiéndose en un personaje muy popular.



Santa Sangre / Holy Blood (1989)
Producción: Productora Fílmica Real (MEX) - Produzioni Intersound (IT)
Director: Alejandro Jodorowsky
Guión: Alejandro Jodorowsky y Roberto Leoni
Intérpretes: Axel Jodorowsky (Fenix), Blanca Guerra (Concha), Guy Stockwell (Orgo), Thelma Tixou (mujer tatuada), Sabrina Dennison (Alma), Adan Jodorowsky (joven Fenix), Faviola Elenka Tapia (joven Alma), Teo Jodorowsky (Pimp), María de Jesús Aranzabal(prostituta), Jesús Juárez (Aladin), Sergio Bustamante (Monseñor), Gloria Contreras (Rubi), S. Rodriguez, Zonia Rangel Mora, Joaquín García Vargas
123 min. Color


Sawdust and Tinsel



Gycklarnas Afton/Sawdust and Tinsel (UK)/The Naked Night (EEUU) (Noche de Circo,1953)

EN UNA MAÑANA gris una caravana de circo llega a la ciudad donde vive la familia del Jefe de Pista. Él no les ha visto desde hace tres años y durante este tiempo ha tenido una amante, la bella y sugerente ecuyere Anne. Albert llama a su mujer; Anne, celosa, visita un teatro y allí se deja seducir por un actor que, como intercambio, le entrega un collar asegurando su excepcional valor. La mujer del Jefe de Pista no permite a su marido que vuelva a vivir con ellos. Anne y Albert están hartos del circo y de ellos mismos. Mientras, el cara blanca Frans, humillado y engañado, nos muestra el lado más amargo de la existencia.

Esta temprana película de Bergman, conocida en España como Noche de Circo, está realizada antes de sus éxitos internacionales Smiles of a Summer Night y Seventh Seal y fue repudiada por los críticos cuando fue estrenada (uno de ellos se refirió a ella como un “trozo de vómito”). Con el tiempo ha ido ganando reputación como una de las grandes obras de la primera etapa del director. Gycklarnas Afton toca muchas de las reflexiones standard del director sueco: la desaparición del amor, la existencia de dios, el poder redentor del teatro… Las emociones son duras y ásperas, reforzadas estilísticamente por una fotografía impecable de Sven Nykvist y Hilding Bladh, como se puede apreciar en el felliniano flashback del principio de la película, que pertenece por derecho propio a la antología de las grandes secuencias del cine mundial, y en una de las últimas, donde se verán cara a cara el humillado Jefe de Pista y el arrogante actor de teatro.

Gycklarnas Afton/Sawdust and Tinsel (UK)/The Naked Night (EEUU) (Noche de Circo,1953)
Producción: Sandrews (SUE)
Director: Ingmar Bergman
Guión: Ingmar Bergman
Intérpretes: Åke Grönberg (Albert Johansson), Harriet Andersson (Anne), Hasse Ekman (Frans), Anders Ek (Frost), Gudrun Brost (Alma), Annika Tretow (Agda), Erik Strandmark (Jens), Gunnar Björnstrand (Mr. Sjuberg), Curt Löwgren (Blom), Kiki (el enano), Lissi Alandh (actriz), Julie Bernby (funambulista), John W. Björling (Greven, artista de circo), Naemi Briese (Mrs. Meijer, artista de circo), Michael Fant, Karl-Axel Forssberg
93 min. Blanco y negro

12 de noviembre de 2007

Salto Mortal. Un circo en apuros


Salto Mortal (1961), Mariano Ozores

LOS ARTISTAS del modesto circo ambulante Maravillas que dirige don Leoncio se encuentran ante el dilema de la falta de dinero para pagar las pensiones y los gastos de desplazamiento. Uno de ellos recuerda que, en un caso similar, se salvaron gracias al desgraciado accidente de un muchacho que se rompió una pierna haciendo un número de trapecio y a la subsiguiente función a beneficio del accidentado. Acuciados por la necesidad, deciden engañar a un chico del pueblo, medio tonto, Fidel Calatañazor, al que convencen de que el triple salto mortal es muy sencillo de realizar. Todos están convencidos de que se caerá sin remedio.

“Donde no hay amor, poned amor y encontraréis amor”. Con esta cita de Santa Teresa comienza Salto Mortal, una de las primeras películas de Mariano Ozores, director y guionista de más de cien películas, algunas de las cuales son un testimonio sociológico de incalculable valor de la España de los años 60 y de la transición. En Salto Mortal nos encontramos dos de los ingredientes indispensables de una película circense: un circo en apuros y un cateto con buen corazón. A través del humor se hace creíble la descabellada idea de que Fidel aprenda todo lo que necesita saber para realizar el triple salto mortal en una pizarra y que además ¡le salga bien! Es una película que, por su bondadoso mensaje, bien podríamos haber visto estas últimas navidades en cualquier canal de televisión. En la película se pueden ver algunas escenas grabadas en el Circo Price aunque muy poco de circo de verdad.

Mariano Ozores Puchol (1926), hijo de los actores Mariano Ozores y Luisa Puchol., dirige en 1959 su primer largometraje Las dos y media y veneno. Desde sus primeras películas, colabora con sus hermanos, los actores José Luis -fallecido prematuramente- y Antonio Ozores. Enseguida se especializa en el género cómico, saltando a la fama a finales de los años 60 al emparejar a Gracita Morales y José Luis López Vázquez en una serie de comedias particularmente exitosas. “Se tratan casi siempre de comedias groseras en las que se repiten hasta la saciedad las mismas artimañas, pero lo cierto es que trazan un retrato de la España contemporánea del que no habría que olvidar su visión sarcástica y sus incisivos diálogos” (Jean Claude Seguin en "Historia del cine español". Ed. Acento, 1995). Desde entonces, rueda ininterrumpidamente, con algunas incursiones en el medio televisivo –las series Taller mecánico y El sexólogo-. Durante la Transición, repite el hallazgo de la pareja López Vázquez-Morales con otra, ahora masculina y procedente del teatro y la televisión, compuesta por Andrés Pajares y Fernando Esteso. "Cineasta no exento de talento que se deja llevar por la facilidad, Mariano Ozores es un fenómeno que habrá que volver a evaluar” (Jean Claude Seguin).

Salto mortal (1961)
Producción: Cinem. Hispánica S.A.
Director: Mariano Ozores
Guión: Mariano Ozores
Intérpretes: José Luis Ozores (Fidel), Antonio Ozores (Raul, el "Profesor Misterius"), Diana Lorys, Goyo Lebrero, Lola Gaos, Belinda Corel, Mari Luz Real, Luis Bellido, Terele Pávez, Rufino Inglés, Tito García, Luisa Puchol, Alfonso Gallardo.
84 min. Blanco y negro

La Strada



La Strada (1954), de Federico Fellini

Gelsomina, una pobre muchacha de pueblo, se une a Zampanó, un zingaro ambulante que se gana la vida con un modesto espectáculo callejero. Bueno, en realidad Zampanó paga por ella cierta cantidad de dinero. Ella es sensible, siempre dispuesta a descubrir el misterioso secreto de la naturaleza y de las cosas. Él, opaco y fornido, terrestre y salvaje apenas presta atención a lo que tiene, ve o toca. 


La comunicación entre ellos es imposible y Gelsomina sufre tanto que quiere volver a su antigua vida. Pero otro artista, un funámbulo llamado “il Matto” convence a la inocente Gelsomina de que el secreto de su misión en la vida es, precisamente, permanecer al lado de Zampanó. Gelsomina acepta su misión pero un día Zampanó, que no se lleva demasiado bien con el funámbulo, tiene una discusión con él y, casi sin querer, lo mata. 




Gelsomina enloquece de dolor y Zampanó al comprobar que su locura le puede llevar a la carcel, la abandona. Años más tarde, al enterarse de la muerte de Gelsomina, Zampanó se enfrenta de verdad y por primera vez con su propia vida y tiene una revelación sobre el significado de esta: el animal se transforma en un hombre consciente de teatro.



Con esta película, que reúne más de cuarenta premios internacionales, entre ellos el Oscar a la Mejor película extranjera de 1957 y el León de Oro de la Muestra de Venecia, Federico Fellini alcanza la proyección internacional que le ha permitido durante todos estos años mantener una independencia creativa bastante notable, convirtiéndose en uno de los exponentes más relevantes del cine de autor del siglo XX.



La Strada, en cierto sentido, nos habla de lo sagrado. No de la religión ni de lo religioso, sino de aquello primitivo y específico que acerca a todos, o a casi todos, los seres humanos, intuitivamente, a la reflexión metafísica que conduce al arte. Esto lo muestra en estado puro Gelsomina, criatura lunar, personaje delicado (algunos críticos la comparan con Charlot o con Harpo Marx) que con su simplicidad y expresividad nos conduce por el camino de la sensibilidad y de la poesía de una manera sutil y emotiva.




La Strada (1954)
Producción: Ponti-De Laurentiis Cinematografica
Director: Federico Fellini
Guión: Federico Fellini, Tullio Pinelli y Ennio Flaiano
Música: Nino Rota
Intérpretes: Anthony Quinn (Zampanò), Giulietta Masina (Gelsomina), Richard Basehart (Il Matto), Aldo Silvani (Signor Giraffa), Marcella Rovere (La Vedova), Livia Venturini (La Suorina), Gustavo Giorgi, Yami Kamadeva, Mario Passante, Anna Primula.


Variété




Variété (1925),de E. A. Dupont

El director germano-americano E.A.Dupont realizó en 1925 la película Variété (Variety). Emil Jannings y Lya de Putti encarnan a una pareja de trapecistas por cuyo amor el despiadado Boss Huller (Emil Jannings) comete un trágico asesinato. Continúa así la saga de películas protagonizadas por una trouppe de trapecistas en las que el amor se convierte en celos incontrolados que acaban en tragedia. Un triángulo amoroso en lo más alto del circo. No hay mejor lugar para planear el asesinato de tu competidor en amores que en lo alto de un trapecio. Una película muda llena de la fuerza interpretativa de grandes actores.


Variété (1925)
Productora: Universum Film (UFA)
Director: Ewald André Dupont
Guión: Ewald André Dupont sobre una novela de Felix Hollaender
Intérpretes: Emil Jannings (Boss Huller), Maly Delschaft (la mujer de Boss), Lya De Putti (Bertha), Warwick Ward (Artinelli), Alice Hechy, Georg John (marinero), Kurt Gerron (Harbourworker), Paul Rehkopf (espectador de la feria), Charles Lincoln.
112 min. Blanco y negro