La Venenosa

La Venenosa (1928), de Roger Lion

JACQUES DAMASE en su libro Les Folies du Music Hall (1960) dice de Raquel Meller: "She had exquisite looks: delicate feature, dark, gentle eyes, a beautiful mouth and soft voice. Raquel Meller become the idol of Paris. There were pictures of her everywhere, and her songs were widely sung, especially El Relicario and La Violetera, those little masterpieces by Padilla". Lo cierto es que a partir de su aparición en el teatro Arnau, de Barcelona, la artista va a subir los peldaños de la popularidad con decisión y en París alcanza a la de Sarah Bernhardt, Mistinguette, Eleanora Duse, Isadora Duncan o Josephine Baker. Frejaville en Au-Music-Hall (1923) se deshace en elogios para la artista española: "Raquel Meller m´a ému, séduit, charmé… (…) elle exprime à merveille une faiblesse presque puerile jointe à l´ardeur du désir, la mélancolie passionnée, le regret. la tendresse, et une sorte de terreur superstiteuse de la mort et de l´au-delà, dont on ne sait si elle est spécifiquement espagnole ou simplement féminine…". 

Desde 1919 a 1932, la estrella de la canción Raquel Meller participa en varias películas, casi todas, paradójicamente, mudas. La Venenosa es precisamente su última película muda y aunque su interpretación no trascendió tanto como en la Carmen de Jacques Feyder, la película vista hoy en día es una delicia. Los subtítulos en español son verdaderamente divertidos y nos ayudan a adentrarnos en la historia de Miss Liana, una bella trapecista que sufre una maldición: sus besos son mortales. Basada en la novela de "El Caballero Audaz", La Venenosa está dirigida por Roger Lion en 1928. En ella, podemos disfrutar de una velada en el Cirque de Hiver de París en la que vemos de pasada a los payasos Rico y Alex, imágenes de minivolante con cama elástica, doma de leones con la jaula iluminada por fuegos artificiales, unas imágenes de los Hermanos Alegría, caballos en libertad y trapecio volante. 

Un carablanca enamorado y no correspondido, una constante en muchas de las películas ambientadas en el circo, que muere trágicamente después de besar a la mujer maldita. Después la historia sigue. Celos, venganzas, amoríos, engaños y la fatalidad que se muestra implacable hasta que llega el amor de verdad, el que dura para siempre. Francisca Marqués López, el verdadero nombre de Raquel Meller, fue tentada por el mismísimo Charlie Chaplin para que participase en City Lights como actriz, pero el genial Charlot se tuvo que conformar con incorporar la melodía de la canción La violetera como un tema principal en esta película.

La venenosa (1928)

Dirección:  Roger Lion

Guion: José María Carretero

Fotografía:  Willy Faktorovitch, Amédée Morrin (B&W)

Intérpretes: Warwick Ward, Raquel Meller, Sylvio De Pedrelli, Georges Colin, Claire de Lorez, Georges Marck, Georges Tourreil, Cecyl Tryan, Pâquerette, Georges Marck

136 min, Blanco y negro

La Venus Rubia

Carne de fieras (1936), de Armand Guerra

ESTA película se filmó en 1936 y nunca fue terminada. Su director, Armand Guerra, el pseudónimo de un activo anarquista valenciano llamado Armando Estibalis, se había hecho un oficio en el cine redactando subtítulos en español para películas de la UFA en Alemania. Una vez comenzada la Guerra Civil española, Armand Guerra abandona la película, para unos días más tarde reanudarla de nuevo y acabarla deprisa y corriendo antes de incorporarse al frente para la filmación de películas bélicas.

El mismo Armand Guerra nos cuenta anécdotas del rodaje: "Otro problema vino a complicarme la situación: la falta de carne para los leones… El domador, Georges Marck y la artista Marlène Grey "la Venus Rubia", franceses ambos y adictos a nuestra causa, corrían grave peligro, pues las fieras, hambrientas, podían causar una catástrofe irreparable. Pero gracias a la buena comprensión y a la desinteresda ayuda de los compañeros del Sindicato Único de la Gastronomía, las pobres fieras pudieron nutrirse de vez en cuando… Sin embargo una tarde, la artista francesa Marlène Grey, que actuaba totalmente desnuda dentro de la jaula, en medio de los cuatro leones, estuvo apunto de ser devorada por uno de ellos…". Después de la Guerra Civil, el productor, Arturo Carballo, el mismo de la película Frivolinas y empresario del castizo Cine Doré, pretendió realizar un montaje que pasase la censura de esa época e incluso pensó en dibujar un improbable bañador en cada fotograma para tapar la desnudez de la artista.

Pablo Álvarez Rubio (el loco de Drácula de Tod Browning), la vedette Tina de Jarque, Antonio Galán y el propio Armand Guerra completan el reparto de esta película que no destaca precisamente por sus méritos cinematográficos. Hoy destaca por lo insólito de la idea, la época histórica del rodaje, el misterio y atractivo que tienen las películas inacabadas y porque es una película de 1936 acabada en el año 1992 gracias al empeño de la Filmoteca de Zaragoza y la Filmoteca Nacional Española. De la artista francesa Marlene Grey se cuenta, según diferentes fuentes, que acabó sus días devorada por un león o a manos de los franquistas, finales ambos muy truculentos. Armand Guerra murió en la calle, de un infarto, en París cuando iba a renovar su documentación de exiliado.

Carne de fieras (1936)
Producción: Arturo Carballo (ES)
Argumento, Guión y Dirección: Armand Guerra
Intérpretes: Marlène Grey (Marlène), Pablo Alvarez Rubio (Pablo), Georges Marck (monsieur Marck), Tina de Jarque (Aurora), Alfredo Corcuera (Picatoste), Antonio Galán (Antonio), Armand Guerra (Lucas), Mercedes Sirvent (la madrina), Sara Iglesias, Jack Sidney, Antonio Montoya.
71 min. Blanco y negro.

(El rodaje de la película coincidió con el golpe militar del 18 de julio de 1936. En 1992 la Filmoteca Española y Filmoteca de Zaragoza encargaron el montaje de la película al historiador cinematográfico Ferrán Alberich).

24 horas de la vida de un clown

Vingt-quatre heures de la vie d'un clown (1945) de Jean Pierre Melville 

El director de cine francés Jean Pierre Melville (Jean-Pierre Grumbach), considerado como el padre de la nouvelle vague, realiza en 1945 su primera película, un curioso reportaje sobre el payaso Beby, Vingt-quatre heures de la vie d'un clown, un documental sobre este interesante payaso que trabajó durante un tiempo (ver la ilustración) con el considerado mejor carablanca de todos los tiempos, el famoso Antonet. En la película, Beby está trabajando con el clown Maïss en el Circo Medrano de París obteniendo un éxito notable.

El cortometraje supone un acercamiento al universo y la intimidad de los célebres artistas de la época (años 40), ahora olvidados y el director la realiza después de montar su propia productora tras su decisión de convertirse en realizador de cine, así que la película está realizada con un presupuesto bastante bajo. Aún así, la película resulta muy interesante ya que traza una biografía del payaso Beby con fotografías de archivo, podemos ver el ya desaparecido Circo Medrano y el camerino de los payasos donde estos se maquillan y hasta un trocito de su actuación. El título está inspirado en el libro de Stefan Zweig "Vingt-Quatre Heures de la vie d'une femme".

Vingt-quatre heures de la vie d'un clown (1945) 

Producción: Melville Productions (FR) 

Guión y Dirección: Jean Pierre Melville. 

Intérpretes: Aristodemo Frediani “Beby” y Louis Maïss. 

Blanco y negro. 20 min.

La película en DVD

Festival de Payasos

Festival de Payasos (Clown Clown, 1979)

En 1979, en Suecia, el Circo Scott presentó un programa compuesto única y exclusivamente por payasos. Los mejores payasos del momento en una gala irrepetible producida por y para la televisión sueca y otras televisiones europeas con el nombre de Clown Clown y enmarcada en el espléndido circo estable el Djurgarden Royal Circus de Estocolmo.

La espléndida Gala reunió nada más y nada menos que a Los Rastelli, Mr. Braun, Pompoff & Thedy family, Joe Jackson, Fattini, Charlie Rivel, Galetti, Gino Donati, Los Chickys, Roy Bradley, George Carl y Pio Nock. Solamente por la actuación del maestro George Carl merece la pena tener este vídeo, pero es que además tenemos una espléndida actuación de Charlie Rivel acompañado por su hija Paulina, un número magistral de bicicleta cómica con más de cien años realizado por Joe Jackson, una oportunidad única para conocer cómo se desenvolvían la familia de Pompoff y Thedy (un apunte especial para Nabucodonosorcito) y la magnífica actuación de Gino Donati cantando ópera mientras realiza equilibrios acrobáticos. 

Aquí pueden disfrutar del documental completo:

La Linterna mágica

La Linterna Mágica (La Lanterne magique, 1903), Georges Méliès

En el siglo XVII aparece un ingenioso aparato precursor del cinematógrafo que es objeto de curiosidad e investigación por diferentes científicos. Ya avanzado el siglo XVIII, la Linterna Mágica comienza a viajar de la mano de los feriantes que muy pronto intuyeron el potencial de este invento. A partir de 1800 este tipo de exhibiciones comienzan a ser más frecuentes y, en ocasiones, demasiado impactantes para un público completamente inocente respecto a este tipo de entretenimiento. Estos espectáculos eran una combinación de las imágenes proyectadas por la Linterna Mágica, narraciones didácticas sobre temas de interés relativos a las artes, la ciencia o narraciones populares y, en ocasiones, música en vivo. Una mención especial se merecen las Fantasmagorías del belga Robertson, un espectáculo de linterna que simulaba la aparición de fantasmas, espíritus o monstruos para aterrorizar al espectador.

Hacia 1895, justo cuando se gestaba el nacimiento del cinematógrafo, se estima que habría 50.000 shows diferentes de Linterna Mágica solamente en Estados Unidos. Durante 250 años la Linterna Mágica fue el espectáculo visual por excelencia y su versatilidad ya presagiaba el gran poder comunicativo que tienen las imágenes: de hecho, las iglesias y las escuelas fueron de los primeros en utilizar el mágico e inocente invento.Georges Méliès, pionero del cine e inspirador de mi afición por esta mezcla de emociones que son el cine y el circo realizó en 1903 una curiosa película titulada precisamente La Linterna Mágica. En ese mismo momento, este longevo artilugio de luces y sombras comenzaba a ser pieza de museo.

La lanterne magique (La linterna mágica,1903)

Producción: Georges Méliès, Star-Film (FR)

Dirección: Georges Méliès

Guion: Georges Méliès

Fotografía: Georges Méliès (B&W)

Intérpretes: Georges Méliès

5 min. Blanco y negro.

El Circo de Calder

Le cirque de Calder (1961) de Carlos Vilardebó

Oiseleur du fer, horloger du vent, dresseur de fauves noirs
ingénieur hilare, architecte inquiétant, sculpteur du temps, tel est Calder

Jacques PRÉVERT

LA MAGIE a Calder es el título de una recopilación de tres interesantes documentales sobre el artista Alexandre Calder que el director portugués Carlos Vilardebó realizó entre 1961 y 1974: Le cirque de Calder, Les mobiles de Calder y Les gauches de Sandy. 

En 1925, el periódico National Police Gazette encargó a este visionario artista de Pensilvania las ilustraciones del espectáculo del circo Ringling Bros. and Barnum &  Bailey. Calder permaneció en el circo durante dos semanas hasta que "sabía diferenciar qué número venía por la música que sonaba" y se despertó en él la fascinación por el circo. Ya en París, en 1926, creó su propio Circo Calder, una performance en la que intervenían figuras construidas con alambre, madera, trapo y gomas y mediante la cual el artista se presentó a la vanguardia parisina, Mondrian, Cocteau, Miró, Le Corbusier, Léger, Arp, Man Ray, Duchamp y otros artistas, en el Salón de los Humoristas de París en 1927. 

El mismo Calder daba vida a todos y cada uno de los personajes (trapecistas, domadores, payasos, lanzadores de cuchillo, leones…), y les ponía voz, mientras que su esposa, aparte, pinchaba en un tocadiscos las típicas melodías circenses. Las representaciones debían de ser deliciosas y duraron hasta 1976.

Gracias a este film de Carlos Vilardebó podemos disfrutar de una mágica y artística representación del poético Circo Calder: el león se come la cabeza del hombre con la cabeza de corcho, el lanzador de cuchillos hiere accidentalmente a su partenaire, las caquitas de los animales, rápidamente recogidas por el propio Calder con su recogedor y su escoba en miniatura, la divertida precisión de los movimientos de los jinetes, de los equilibristas y de los trapecistas. La pista del circo, hecha con maderas pintadas, las alfombras, los animales: perros, leones, caballos, elefantes… Y el artista anunciando las atracciones, utilizando el silbato, marcando el ritmo de la función, disfrutando como un niño de cada segundo del papel de Maestro de ceremonias.

Para saber más sobre Calder y ver su obra disponible en diferentes galerías os recomendamos esta página: https://www.artsy.net/artist/alexander-calder

Le Cirque de Calder / Calder's Circus (1961)
Producción: Société Nouvelle Pathé Cinéma (FR)
Director: Carlos Vilardebó
Intérpretes: Alexander Calder y Louisa James Calder
19 min. Color

Los payasos de Fellini

I Clowns (1971), Federico Fellini

"Le cirque, c'est l'instant; comme le cinéma"

I CLOWNS es un homenaje de gratitud, alucinante y un tanto patético del gran cineasta Federico Fellini hacia los payasos y feriantes que tanto le han influenciado en su carrera y que se plasma en muchas de sus películas. Fellini hace que los payasos interpreten la muerte del circo en la pista. Esto le ha valido el odio de algunos de los más entusiastas defensores del circo y que muchos payasos no vean con agrado este film. En todo caso, el documental, una coproducción de varias televisiones europeas, es muy interesante y hoy día tiene un valor histórico bastante notable.

Por un lado tenemos a numerosos payasos en la pantalla o dando su opinión o actuando: los payasos italianos Billi, Scotti, Fanfulla, Rizzo, Furia, Reder, Valentini, Merli, Pistoni, Furia, Sbarra, Carini, Terzo, Vingelli, Fumagalli, Zerbitani, Los 4 Colombaioni, Los Martana, Maggio, Sbarra, Janigro, Maunsell, Peverello, Sorrentino, Valdemaro y Bevilacqua; y los payasos franceses: Alex, Bario, Père Loriot, Ludo, Charlie Rivel, Maiss, Nino.. 

Por otro lado, tenemos a Fellini hablando con el famoso historiador de circo Tristan Remy y también contamos con la participación de Pierre Etaix, Gustave et Victor Fratellini, Annie Fratellini, Baptiste, Liana, Rinaldo y Nando Orfei, la guapísima Anita Ekberg, el mismo Federico Fellini, los domadores Bouglione y Franco Migliorni y Maya Morin, Lina Alberti, Alvaro Vitali y Gasparino. 

Podemos ver la recreación que Fellini hace de los Hermanos Fratellini en una secuencia inolvidable en un psiquiátrico o un surrealista pase de modelos con los brillantes y coloristas trajes de carablanca, imagen que un año más tarde repetirá en la película Roma con el desfile de moda eclesiástica. 

Según Fellini "el clown encarna los caracteres de la criatura fantástica que expresa el aspecto irracional del hombre, la parte del instinto, ese matiz rebelde y contestatario contra el orden superior que hay en cada uno de nosotros".

Aquí les dejamos la película. Que la disfruten.

I Clowns /Die Clowns (1971)

Producción: Bavaria Film (ALE) - Compagnia Leone Cinematografica (IT) - Office de Radiodiffusion Télévision Française (FR) - Radiotelevisione Italiana (IT)
Director: Federico Fellini
Guión: Federico Fellini y Bernardino Zapponi
Intérpretes; Federico Fellini, Riccardo Billi, Tino Scotti, Fanfulla, Dante Maggio, Galliano Sbarra, Nino Terzo, Giacomo Furia, Carlo Rizzo, Gigi Reder, Alvaro Vitali, Anita Ekberg, Pierre Étaix, Annie Fratellini, Charlie Rivel
92 min. Technicolor

El vuelo del águila

Santa Sangre (1989), de Alejandro Jodorowsky

“La mayor parte de los directores hacen sus películas con los ojos.
Yo las hago con mis testículos”
Alexandro Jodorowsky

ALEJANDRO Jodorowsky nace en 1930 en Chile de padres argentino-rusos. En 1953 abandona Chile por París donde estudia mimo con Marcel Marceau y donde filma su primera película, The Severed Head, una filmación sobre mimo que hoy se considera perdida. Durante los años sesenta Jodorowsky viaja entre París y México dirigiendo teatro de vanguardia y performances, escribiendo libros y creando una tira de cómic llamada Fabulas Pánicas. Crea una revista surrealista (S.NOB) con varios escritores mexicanos y con Fernando Arrabal y Roland Topor organiza el Movimiento Pánico. A finales de los sesenta realiza su auténtico debut cinematográfico con Fando y Lis con guión de Arrabal y comienza a trabajar con El Topo, que se convertiría en un clásico filme de culto. Después de dos películas más (Holy Mountain y Tusk) Jodorowsky pasa una buena temporada alejado del cine hasta que en 1989 reaparece con Santa Sangre un controvertido estreno que fue bien recibido por la crítica y que supuso un resurgir del interés sobre el trabajo de Jodorowsky.

Santa Sangre pertenece, por méritos propios, a la lista de las películas más bizarras de la historia y algunas de sus imágenes nos devuelven al cine más visceral de Buñuel, una mezcla de surrealismo y psicoanálisis que nos lleva, por el camino de las emociones, a compartir la aventura de Fénix, un niño traumatizado en su infancia por una escena muy violenta protagonizada por sus padres, un dueño de un circo viajero y una aerealista que es también líder de una secta que venera a una virgen sin brazos y cuya sangre (Santa Sangre) se conserva en una piscina. Años más tarde, la madre va a buscar a Fénix al asilo psiquiátrico y le convierte en su esclavo psicológico y físico pues, desde entonces, los brazos de Fénix serán los brazos de su madre, mutilada como la virgen que adoraba. La historia es también la del amor de Alma y Fénix.

La película está llena de escenas donde se mezcla la poesía y la crueldad, como la agonía del elefante y su descuartizamiento por los pobres del barranco, la niña muda pasando un cable con fuego, el padre tatuando al hijo con un cuchillo, el lujurioso lanzamiento de cuchillos sobre la mujer tatuada o el número que realizan Fénix y su madre. Escenas que no dejan a nadie indiferente y que convierten a Santa Sangre en una película muy personal, fuera de los mercados cinematográficos, con una fuerza visual inusual y muy impactante.

Jodorowski también estuvo involucrado en la primera versión de Dune, que él mismo pensaba dirigir hasta que los productores optaron por David Lynch. En 1990 realiza The Rainbow Thief, la que por el momento es su última película. En la actualidad sigue colaborando en los guiones de los cómics del famoso dibujante francés Moebius y practica y escribe sobre la psicomagia, convirtiéndose en un personaje muy popular.

Santa Sangre / Holy Blood (1989)
Producción: Productora Fílmica Real (MEX) - Produzioni Intersound (IT)
Director: Alejandro Jodorowsky
Guión: Alejandro Jodorowsky y Roberto Leoni
Intérpretes: Axel Jodorowsky (Fenix), Blanca Guerra (Concha), Guy Stockwell (Orgo), Thelma Tixou (mujer tatuada), Sabrina Dennison (Alma), Adan Jodorowsky (joven Fenix), Faviola Elenka Tapia (joven Alma), Teo Jodorowsky (Pimp), María de Jesús Aranzabal (prostituta), Jesús Juárez (Aladin), Sergio Bustamante (Monseñor), Gloria Contreras (Rubi), S. Rodriguez, Zonia Rangel Mora, Joaquín García Vargas
123 min. Color

Sawdust and Tinsel

Gycklarnas Afton/Sawdust and Tinsel (UK)/The Naked Night (EEUU) (Noche de Circo,1953)

EN UNA MAÑANA gris una caravana de circo llega a la ciudad donde vive la familia del Jefe de Pista. Él no les ha visto desde hace tres años y durante este tiempo ha tenido una amante, la bella y sugerente ecuyere Anne. Albert llama a su mujer; Anne, celosa, visita un teatro y allí se deja seducir por un actor que, como intercambio, le entrega un collar asegurando su excepcional valor. La mujer del Jefe de Pista no permite a su marido que vuelva a vivir con ellos. Anne y Albert están hartos del circo y de ellos mismos. Mientras, el cara blanca Frans, humillado y engañado, nos muestra el lado más amargo de la existencia.

Esta temprana película de Bergman, conocida en España como Noche de Circo, está realizada antes de sus éxitos internacionales Smiles of a Summer Night y Seventh Seal y fue repudiada por los críticos cuando fue estrenada (uno de ellos se refirió a ella como un “trozo de vómito”). Con el tiempo ha ido ganando reputación como una de las grandes obras de la primera etapa del director. Gycklarnas Afton toca muchas de las reflexiones standard del director sueco: la desaparición del amor, la existencia de dios, el poder redentor del teatro… Las emociones son duras y ásperas, reforzadas estilísticamente por una fotografía impecable de Sven Nykvist y Hilding Bladh, como se puede apreciar en el felliniano flashback del principio de la película, que pertenece por derecho propio a la antología de las grandes secuencias del cine mundial, y en una de las últimas, donde se verán cara a cara el humillado Jefe de Pista y el arrogante actor de teatro.

Gycklarnas Afton/Sawdust and Tinsel (UK)/The Naked Night (EEUU) (Noche de Circo,1953)

Producción: Sandrews (SUE) 

Director: Ingmar Bergman 

Guión: Ingmar Bergman 

Intérpretes: Åke Grönberg (Albert Johansson), Harriet Andersson (Anne), Hasse Ekman (Frans), Anders Ek (Frost), Gudrun Brost (Alma), Annika Tretow (Agda), Erik Strandmark (Jens), Gunnar Björnstrand (Mr. Sjuberg), Curt Löwgren (Blom), Kiki (el enano), Lissi Alandh (actriz), Julie Bernby (funambulista), John W. Björling (Greven, artista de circo), Naemi Briese (Mrs. Meijer, artista de circo), Michael Fant, Karl-Axel Forssberg 

93 min. Blanco y negro

Salto Mortal. Un circo en apuros

Salto Mortal (1961), Mariano Ozores

LOS ARTISTAS del modesto circo ambulante Maravillas que dirige don Leoncio se encuentran ante el dilema de la falta de dinero para pagar las pensiones y los gastos de desplazamiento. Uno de ellos recuerda que, en un caso similar, se salvaron gracias al desgraciado accidente de un muchacho que se rompió una pierna haciendo un número de trapecio y a la subsiguiente función a beneficio del accidentado. Acuciados por la necesidad, deciden engañar a un chico del pueblo, medio tonto, Fidel Calatañazor, al que convencen de que el triple salto mortal es muy sencillo de realizar. Todos están convencidos de que se caerá sin remedio.

“Donde no hay amor, poned amor y encontraréis amor”. Con esta cita de Santa Teresa comienza Salto Mortal, una de las primeras películas de Mariano Ozores, director y guionista de más de cien películas, algunas de las cuales son un testimonio sociológico de incalculable valor de la España de los años 60 y de la transición. En Salto Mortal nos encontramos dos de los ingredientes indispensables de una película circense: un circo en apuros y un cateto con buen corazón. A través del humor se hace creíble la descabellada idea de que Fidel aprenda todo lo que necesita saber para realizar el triple salto mortal en una pizarra y que además ¡le salga bien! Es una película que, por su bondadoso mensaje, bien podríamos haber visto estas últimas navidades en cualquier canal de televisión. En la película se pueden ver algunas escenas grabadas en el Circo Price aunque muy poco de circo de verdad.

Mariano Ozores Puchol (1926), hijo de los actores Mariano Ozores y Luisa Puchol., dirige en 1959 su primer largometraje Las dos y media y veneno. Desde sus primeras películas, colabora con sus hermanos, los actores José Luis -fallecido prematuramente- y Antonio Ozores. Enseguida se especializa en el género cómico, saltando a la fama a finales de los años 60 al emparejar a Gracita Morales y José Luis López Vázquez en una serie de comedias particularmente exitosas. “Se tratan casi siempre de comedias groseras en las que se repiten hasta la saciedad las mismas artimañas, pero lo cierto es que trazan un retrato de la España contemporánea del que no habría que olvidar su visión sarcástica y sus incisivos diálogos” (Jean Claude Seguin en "Historia del cine español". Ed. Acento, 1995). Desde entonces, rueda ininterrumpidamente, con algunas incursiones en el medio televisivo —las series Taller mecánico y El sexólogo—. Durante la Transición, repite el hallazgo de la pareja López Vázquez-Morales con otra, ahora masculina y procedente del teatro y la televisión, compuesta por Andrés Pajares y Fernando Esteso. "Cineasta no exento de talento que se deja llevar por la facilidad, Mariano Ozores es un fenómeno que habrá que volver a evaluar” (Jean Claude Seguin).

Salto mortal (1961)
Producción: Cinem. Hispánica S.A.
Director: Mariano Ozores
Guión: Mariano Ozores
Intérpretes: José Luis Ozores (Fidel), Antonio Ozores (Raul, el "Profesor Misterius"), Diana Lorys, Goyo Lebrero, Lola Gaos, Belinda Corel, Mari Luz Real, Luis Bellido, Terele Pávez, Rufino Inglés, Tito García, Luisa Puchol, Alfonso Gallardo.
84 min. Blanco y negro

La Strada

La Strada (1954), de Federico Fellini

Gelsomina, una pobre muchacha de pueblo, se une a Zampanó, un zingaro ambulante que se gana la vida con un modesto espectáculo callejero. Bueno, en realidad Zampanó paga por ella cierta cantidad de dinero. Ella es sensible, siempre dispuesta a descubrir el misterioso secreto de la naturaleza y de las cosas. Él, opaco y fornido, terrestre y salvaje apenas presta atención a lo que tiene, ve o toca. 

La comunicación entre ellos es imposible y Gelsomina sufre tanto que quiere volver a su antigua vida. Pero otro artista, un funámbulo llamado “il Matto” convence a la inocente Gelsomina de que el secreto de su misión en la vida es, precisamente, permanecer al lado de Zampanó. Gelsomina acepta su misión pero un día Zampanó, que no se lleva demasiado bien con el funámbulo, tiene una discusión con él y, casi sin querer, lo mata. 

Gelsomina enloquece de dolor y Zampanó al comprobar que su locura le puede llevar a la cárcel, la abandona. Años más tarde, al enterarse de la muerte de Gelsomina, Zampanó se enfrenta de verdad y por primera vez con su propia vida y tiene una revelación sobre el significado de esta: el animal se transforma en un hombre consciente de teatro.

Con esta película, que reúne más de cuarenta premios internacionales, entre ellos el Oscar a la Mejor película extranjera de 1957 y el León de Oro de la Muestra de Venecia, Federico Fellini alcanza la proyección internacional que le ha permitido durante todos estos años mantener una independencia creativa bastante notable, convirtiéndose en uno de los exponentes más relevantes del cine de autor del siglo XX.

La Strada, en cierto sentido, nos habla de lo sagrado. No de la religión ni de lo religioso, sino de aquello primitivo y específico que acerca a todos, o a casi todos, los seres humanos, intuitivamente, a la reflexión metafísica que conduce al arte. Esto lo muestra en estado puro Gelsomina, criatura lunar, personaje delicado (algunos críticos la comparan con Charlot o con Harpo Marx) que con su simplicidad y expresividad nos conduce por el camino de la sensibilidad y de la poesía de una manera sutil y emotiva.

La Strada (1954)
Producción: Ponti-De Laurentiis Cinematografica
Director: Federico Fellini
Guión: Federico Fellini, Tullio Pinelli y Ennio Flaiano
Música: Nino Rota
Intérpretes: Anthony Quinn (Zampanò), Giulietta Masina (Gelsomina), Richard Basehart (Il Matto), Aldo Silvani (Signor Giraffa), Marcella Rovere (La Vedova), Livia Venturini (La Suorina), Gustavo Giorgi, Yami Kamadeva, Mario Passante, Anna Primula.

Variété

Variété (1925),de E. A. Dupont

El director germano-americano E.A.Dupont realizó en 1925 la película Variété (Variety). Emil Jannings y Lya de Putti encarnan a una pareja de trapecistas por cuyo amor el despiadado Boss Huller (Emil Jannings) comete un trágico asesinato. Continúa así la saga de películas protagonizadas por una trouppe de trapecistas en las que el amor se convierte en celos incontrolados que acaban en tragedia. Un triángulo amoroso en lo más alto del circo. No hay mejor lugar para planear el asesinato de tu competidor en amores que en lo alto de un trapecio. Una película muda llena de la fuerza interpretativa de grandes actores.

 

Variété (1925)
Productora: Universum Film (UFA)
Director: Ewald André Dupont
Guión: Ewald André Dupont sobre una novela de Felix Hollaender
Intérpretes: Emil Jannings (Boss Huller), Maly Delschaft (la mujer de Boss), Lya De Putti (Bertha), Warwick Ward (Artinelli), Alice Hechy, Georg John (marinero), Kurt Gerron (Harbourworker), Paul Rehkopf (espectador de la feria), Charles Lincoln.
112 min. Blanco y negro

La obsesión de Alonzo

 

The Unknown (Garras humanas, 1927), Tod Browning
 
EL DIRECTOR americano Tod Browning, realiza en 1927 junto a Lon Chaney, uno de sus actores favoritos con el que trabajó en diez ocasiones, la película The Unknown, traducida al español con el curioso título de Garras Humanas, nombre que se aproxima un poco más a la trama de la película. La acción transcurre en un imaginario Madrid y suponemos que sus protagonistas son miembros de alguna trouppe ambulante de algún circo español aunque la localización no esté excesivamente conseguida a no ser por la aparición de los miembros del orden con un tricornio o los nombres de los personajes.

Alonzo (así con zeta) no tiene brazos y se dedica a lanzar cuchillos con los pies sobre la silueta de la bella Estrellita. Tras una disputa con el dueño del circo, Alonzo (que en realidad tiene brazos, pero los esconde para que no le reconozcan ya que tienen un defecto en uno de los pulgares) asesina a su jefe. Estrellita, que casualmente odia los brazos de los hombres que siempre intentan manosearla, permite a Alonzo hacerse ilusiones con su amor, lo que mueve a este a amputarse los brazos para que Estrellita nunca le descubra y poder consumar su amor hacia ella. Mientras Alonzo es operado y se recupera de esta traumática amputación, Estrellita ha superado su odio hacia los hombres y se ha enamorado de Malabar, el forzudo de la trouppe, con el que ha decidido casarse. 

Las imágenes de Lon Chaney cuando descubre que Estrellita está dispuesta a casarse con Malabar son antológicas. La expresión del actor viaja desde la alegría al dolor en un primer plano irrepetible en el que el actor comienza a imaginar su venganza. ¿Cómo acaba este melodrama? La película hay que verla. Es una maravilla.

The Unknown (Garras humanas, 1926)
Producción: Metro-Goldwyn-Mayer (EEUU)
Dirección: Tod BrowningArgumento: Tod Browning inspirado en la novela "K" de Mary Roberts Rinehart
Guión: Waldemar YoungIntérpretes: Lon Chaney (Alonzo the Armless), Norman Kerry (Malabar the Mighty), Joan Crawford (Nanon Zanzi), Nick De Ruiz (Antonio Zanzi), John George (Cojo), Frank Lanning (Costra), John St. Polis (cirujano)
63 min. Blanco y negro

Segundo de Chomón

Les Kiriki (1907), Segundo de Chomón

UN ARAGONÉS se encuentra entre los cineastas pioneros que marcaron con su trabajo el devenir de este maravilloso arte, Segundo de Chomón. Chomón fue un visionario del cine en color y del montaje. Fue un gran innovador y uno de los padres de la animación. Competidor directo de Méliès, las películas de Chomón rebosan fantasía y efectos especiales. Una de sus cerca de 500 películas, Les Kiriki, fue realizada en 1907 y nos muestra una troupe de acróbatas realizando figuras imposibles gracias a una inteligente y divertida colocación de la cámara. Se trata de una de las primeras películas con el circo como tema principal y del primer cineasta español de renombre.

Les Kiriki - Acrobates japonais (1907)
Producción: Pathé Frères (FR)
Guión, Fotografía, Trucajes y Dirección: Segundo de Chomón.
70 metros. Coloreada a mano.